Lola Goies

<div>Cette fresque est le fruit de la collaboration entre les étudiants en dessin d’ARTS² et du Comité d’Arts urbains initié par la Ville. Tous les étudiants de dessin ont été invités à remettre un projet sur le thème du miroir en intégrant de manière intelligente des éléments de la Ducasse de Mons<br>C’est Lola Goies qui a finalement été choisie pour réaliser son projet de fresque du côté de la rue du Miroir.</div><div>Elle a imaginé un dragon qui déambule dans la ville la nuit et qui se cache lorsque le jour se lève et que les Montois se réveillent.&nbsp;</div>

Oeuvre de Lola Goies

taquen

<div>Autour du coquelicot, fleur du souvenir par excellence, l'artiste espagnol Taquen, nous rappelle avec une certaine poésie que les symboles sont parfois le reflet d'un passé douloureux. Sa peinture interprète et reflète cette réalité pour ne jamais oublier...<br>Là où un jour des bombes sont tombées, poussent aujourd'hui des coquelicots.<br>&nbsp;</div>

Bouquet of memory and hope

Andrea Ravo Mattoni

<div>&nbsp;<strong>Lieu de l’œuvre: rue du Chapitre, 2 - 7000 Mons</strong><br>&nbsp;<br> Unir le passé au présent, unir l'art classique et l'art contemporain est l'ambition d'Andrea Ravo Mattoni dans cette œuvre consacrée à sainte Waudru.<br>&nbsp;<br> Pour faire dialoguer le passé et le présent l'artiste combine techniques d'apprentissages académiques et utilisation du spray, œuvres classiques et supports accessibles. Le projet peut se résumer ainsi : reproduire sur de grands murs, visibles à tous, les peintures de l'art classique. Chaque œuvre choisie a un lien précis avec le territoire où elle est reproduite et devient ainsi une occasion de rétablir le dialogue entre le classicisme et le territoire contemporain. L'utopie qui se dessine est celle d'une grande pinacothèque en plein air, avec des œuvres qui, jusqu'à présent, étaient exposées et "enfermées" dans les salles des plus grands musées du monde.<br>&nbsp;<br> Pour ce projet à Mons, j'ai décidé de peindre sur un grand mur l’œuvre de Antoine Van Ysendick, "Sainte Waudru et ses filles visitant les prisonniers". Sainte Waudru est la sainte protectrice de la Ville et de plus l’œuvre se trouve dans la Collégiale en face du mur. Il me semblait évident de mettre en lumière ce chef-d’œuvre.&nbsp;</div>

"Sainte Waudru et ses filles visitant les prisonniers"

Dourone

<div>&nbsp;Fabio Lopez et Elodie Arshak, les deux artistes derrière Dourone nous ont livré une interprétation de leur œuvre :<br>&nbsp;<br>&nbsp;" Lorsque la thématique de la solidarité en ville nous est parvenue, il était important pour nous de rencontrer les acteurs locaux pour pouvoir créer une œuvre en concordance. Nous avons été agréablement surpris par l'accueil chaleureux et par l'histoire de la Ducasse de Mons.<br>&nbsp;Le Doudou est à notre sens, la représentation parfaite de cette solidarité Montoise, intergénérationnelle où tous les habitants sont impliqués.<br>&nbsp;Le fait, par ailleurs, que l'UNESCO la reconnaisse comme l'un des chefs-d’œuvres du patrimoine oral et immatériel de l'humanité nous a conforté dans cette idée ! Car avant tout notre travail est basé sur l'humain. "&nbsp;</div>

Oeuvre de Dourone

Paul Segard

Samuel Idmtal

<div>L'artiste nous a livré son interprétation de l'oeuvre : Á travers cette fresque, Samuel Idmtal, peintre pochoiriste, rend hommage à Ambroise Paré. Considéré comme le père de la chirurgie, il a notamment inventé de nombreux instruments qui ont permis de développer une nouvelle technique de cautérisation et a séjourné au Château d'Havré pendant deux mois durant l'hiver 1569-1570. D'une découpe à l'autre, l'artiste a entièrement travillé son portrait au pochoir en essayant de garder l'esprit et la prestance des dessins de l'époque. Il a également tenu à collaborer avec Kunlo, un artiste originaire de Bruxelles mais qui possède un lien particulier avec Mons pour y avoir travailler durant de nombreuses années.&nbsp;</div>

Hommage à Ambroise Paré - Portrait du Père de la chirurgie

Michail Nicolaï

<div>Michail Nicolaï, originaire de Liège, cet artiste muraliste autodidacte cultive depuis toujours un vif intérêt pour le monde des charbonnages. D'origine italienne, le lien à cet univers lui est très personnel. Il le tient de son grand-père qui, quand il était petit, lui racontait les histoires vécues à la mine avec ses amis.<br>Telle une madeleine de Proust, ses œuvres sur le charbonnage, le replongent invariablement dans son enfance et chacune témoigne d'une très grande fierté pour ces travailleurs.&nbsp;</div>

Il minatore della miniera di carbone Du Levant de Flénu

Elisa Capdevila

<div>La légende des Anges de Mons est une légende selon laquelle un groupe d'anges seraient apparus aux soldats de l'armée britannique, au début de la Première Guerre mondiale, lors de la bataille de Mons en Belgique.<br>&nbsp;<br>L’artiste nous a livré son interprétation de l’œuvre : <em>“La scène qui sera peinte dans la fresque montre le moment de la bataille de Mons où les anges sont arrivés pour aider les soldats. Dans l'image, la figure de l'ange est représentée par une infirmière de guerre (avec ses vêtements typiques) qui, d'une certaine manière, peut être considérée comme les véritables anges en temps de guerre, s'exposant à de réels dangers pour soigner les blessés. Le ciel céleste dans l'image est un élément important, montrant que quelque chose de spécial se passe et c'est pourquoi les soldats au sol le regardent alors que le reste du pays est dévasté par la bataille."</em>&nbsp;</div>

Les Anges de Mons

Alessandra Carloni

<div>L’artiste nous a livré une interprétation de son œuvre : <em>Dans cette oeuvre, j'ai fait référence à l'abbaye de Saint-Denis à Mons, en interprétant la structure de manière surréaliste. Prenant le détail de l'arc et de la tour qui font partie de l'abbaye, ainsi que l'ancien moulin, les imaginant comme suspendus sur une couche de terre volante. Le protagoniste de l'image est l'élément de l'eau qui part des mains du personnage placé en haut (symbolisme de mon style) et descend jusqu'au moulin.</em><br>&nbsp;<br>&nbsp; &nbsp;</div>

Saint-Denis surreal

Francorama

<div><em>" J'ai toujours imaginé les sports comme une sorte de galaxie de disciplines à travers laquelle je pouvais voyager comme un explorateur dans l'espace. Du football au basket, chaque discipline est comme une planète avec ses propres caractéristiques, légendes historiques, mouvements et moments d'actions authentiques.<br>&nbsp;Pour ce mural, j'ai voulu représenter cette rencontre d'univers différents par l'entrecroisement de deux sportifs en pleine action au milieu d'un univers de ballons flottants."</em>&nbsp;</div>

Une rencontre active

Koen Deweerdt

Silex

<div>&nbsp;<em>" J'ai toujours imaginé les sports comme une sorte de galaxie de disciplines à travers laquelle je pouvais voyager comme un explorateur dans l'espace. Du football au basket, chaque discipline est comme une planète avec ses propres caractéristiques, légendes historiques, mouvements et moments d'actions authentiques.</em>&nbsp;</div>

Soaz

<div>&nbsp;Ce mur a pour thématique le Royal Philarmonie. Avec cette oeuvre, l'artiste tente de nous transporter au coeur d'un morceau de musique bercé de calme, de nostalgie et de plénitude.<br>&nbsp;<br>&nbsp;"Les couleurs chaudes de cette composition font paraître les émotions qui nous font vibrer à travers la musique.&nbsp;</div>

Street Harmonie

<div>Ce mur a pour thématique le Royal Philarmonie. Avec cette œuvre, l'artiste tente de nous transporter au cœur d'un morceau de musique bercé de calme, de nostalgie et de plénitude.<br>&nbsp;<br>"Les couleurs chaudes de cette composition font paraître les émotions qui nous font vibrer à travers la musique&nbsp;</div>

Street harmonie

Zësar Bahamonte

<div>&nbsp;<em>" La figure de saint Georges m'est familière depuis longtemps grâce à d'autres artistes, peintres et musiciens, qui l'ont représenté et chanté. C'était un défi pour moi de faire un dessin en relation avec un personnage issu d'une histoire religieuse, car ce n'est pas habituellement mon style. Mais j'ai vite compris que la culture et la tradition d'un lieu sont très importantes et passent par d'autres lieux, l'amour du lieu où vous avez grandi, l'amour des gens qui vous entourent dans ce lieu, la nostalgie de vos expériences durant votre vie là-bas, etc ... D'ailleurs, j'ai connu Saint Georges dans d'autres cultures ( Sant Jordi en Catalogne, Sao Jorge au Brésil ...) et il m'a toujours transmis des sentiments positifs. Le dessin de l'esquisse de la fresque a été un processus magnifique et je suis très fier de pouvoir partager cette oeuvre avec les habitants de Mons et de pouvoir emporter un peu de leur culture dans mon expérience."</em>&nbsp;</div>

Saint-Georges

Iena Cruz

<div>&nbsp;L'artiste d'origine italienne Iena Cruz a réussi à créer un dessin magique sur le thème de la réserve naturelle d'Obourg. Le renard illustré dans ce contexte a été complété par un cormoran, deux animaux qui fréquentent les lieux.&nbsp;</div>

Les yeux du renard

Nadège Dauvergne

<div>Cette fresque imaginée par Nadège Dauvergne est liée au Marché dominical qui a lieu depuis des décennies dans ce quartier montois. L’artiste a travaillé sur l’abondance et fait un parallèle avec les natures mortes du 17ème siècle (et notamment sur les peintures de Joris Van Son). Son travail s’inspire de la peinture classique, tout en redimensionnant ses œuvres pour créer des fresques monumentales&nbsp;</div>

Oeuvre de Nadège Dauvergne

Poni

<div>La fresque, imaginée par Poni (Hilda Palafox de son vrai nom), une artiste mexicaine de renommée internationale a pris ses quartiers sur le pignon de la façade d’Yves Rocher, dans le Piétonnier. Cette artiste, qui s’illustre pour la première fois en Belgique, jongle entre fluidité, simplicité et une esthétique poétique. Elle a pour habitude de dessiner des femmes sans pupille afin d’inviter au voyage. Sur ce mur montois, elle a installé une de ces femmes avec la colline de la ville en arrière-plan.&nbsp;</div>

Oeuvre de Poni

Pastel

<div>L’artiste argentin Fransisco Diaz alias Pastel a réinterprété le blason du village avec un magnifique bouquet composé de trois lys.&nbsp;</div>

Trois fleurs de lis et la campagne

Piotr Szlachta

<div> L’œuvre représente le Château d’Harveng et a été imaginée par l’artiste Piotr Szlachta. À mi-chemin entre l’impressionnisme et la peinture classique, le style a pour vocation de plonger le visiteur dans un autre temps. Directement liée au château et à ses alentours, la fresque s’inspire de la vie du village et de ses éléments patrimoniaux forts.</div><div>&nbsp;</div>

Oeuvre de Piotr Szlachta

Frau Isa

<div>&nbsp;Cette&nbsp; fresque réalisée par l'artiste autrichienne Isa Frau met en avant le patrimoine local et les traditions montoises.&nbsp;</div>

Les géants de Jemappes

Wuper Kec

<div>Né Dejan Ivanović, Wuper Kec est un artiste serbe qui vit à Indija (Serbie). Il est diplômé de l’Ecole Polytechnique de Belgrade et commence dès 2006 à s’intéresser au monde du street art et du graffiti. Peaufinant son art au fil de ses rencontres urbaines, il finit par s’intéresser plus particulièrement à la peinture murale à la recherche de sa personnalité artistique. <br>Il trouvera finalement son identité grâce à une approche plus figurative que son travail initial. C’est ainsi qu’il commence à peindre plus régulièrement avec des pinceaux ; améliorant sans cesse la qualité de ses traits et de son travail. Wuper Kec se fait alors connaître pour ses fresques qui mettent en avant l’humain et la vie en Serbie. Depuis 2016, il consacre une partie de sa vie artistique à la peinture à l’huile et participe à de nombreux festivals à travers le monde. <br>Sa fresque autour du métier d’agriculteurs met en avant le terroir local à travers le chicon, si populaire à Saint-Symphorien.<br> Wuper Kec a aimé peindre pour l’Art habite la Ville : <em>" les habitants ont vraiment été sympas avec moi et je suis très heureux que mon œuvre soit bien accueillie ici sur cette jolie place de Saint-Symphorien ".</em></div>

Oeuvre de Wuper Kec

Rachelle & Céliane Santerre (Arts²)

<div>Le projet baptisé « Montois Célèbres » a ainsi été réalisé par les élèves de l’atelier de dessin d’Arts2 qui ont tous choisi une personnalité montoise à travailler : Roland de Lassus, Charles Malapert, Marguerite de Constantinople, Salvatore Adamo ou encore Marouane Fellaini. Une liste de 20 noms qui se dévoilera au fur et à mesure...<br>&nbsp;<br>&nbsp;L’œuvre représente l'architecte et sculpteur Jacques Du Broeucq&nbsp;</div>

Montois célèbres / Jacques Du Broeucq

Margaux Del Vecchio (Arts²)

<div>Le projet baptisé « Montois Célèbres » a ainsi été réalisé par les élèves de l’atelier de dessin d’Arts2 qui ont tous choisi une personnalité montoise à travailler : Roland de Lassus, Charles Malapert, Marguerite de Constantinople, Salvatore Adamo ou encore Marouane Fellaini. Une liste de 20 noms qui se dévoilera au fur et à mesure...<br>&nbsp;<br>&nbsp;L’œuvre représente le peintre montois Anto Carte&nbsp;</div>

Montois célèbres / Anto Carte

Ilan Walbrecq (Arts²)

<div>Le projet baptisé « Montois Célèbres » a ainsi été réalisé par les élèves de l’atelier de dessin d’Arts2 qui ont tous choisi une personnalité montoise à travailler : Roland de Lassus, Charles Malapert, Marguerite de Constantinople, Salvatore Adamo ou encore Marouane Fellaini. Une liste de 20 noms qui se dévoilera au fur et à mesure...<br>&nbsp;<br>&nbsp;L’œuvre représente le chef étoilé Georges Cuvelier&nbsp;</div>

Montois célèbres / Georges Cuvelier

Eva Badalamenti (Arts²)

<div>Le projet baptisé « Montois Célèbres » a ainsi été réalisé par les élèves de l’atelier de dessin d’Arts2 qui ont tous choisi une personnalité montoise à travailler : Roland de Lassus, Charles Malapert, Marguerite de Constantinople, Salvatore Adamo ou encore Marouane Fellaini. Une liste de 20 noms qui se dévoilera au fur et à mesure...<br>&nbsp;<br>&nbsp;L’œuvre représente le peintre Louis Buisseret&nbsp;</div>

Montois Célèbres / Louis Buisseret

GODMESS

<div>&nbsp;L'artiste portugais Godmess nous emmène dans son univers avec cette fresque haute en couleurs aux multiples détails qui rappellent son pays.&nbsp;</div>

Voyage au Portugal

Margot Dauwe - Arts²

<div>Le projet baptisé « Montois Célèbres » a ainsi été réalisé par les élèves de l’atelier de dessin d’Arts2 qui ont tous choisi une personnalité montoise à travailler : Roland de Lassus, Charles Malapert, Marguerite de Constantinople, Salvatore Adamo ou encore Marouane Fellaini. Une liste de 20 noms qui se dévoilera au fur et à mesure...<br>&nbsp;<br>&nbsp;<em>“J’ai choisi Fellaini pour mettre en avant des figures montoises plus jeunes et qui se rapproche de ma génération. Je l’ai interprété comme ça pour donner un clin d’œil à mon travail, les portraits. “</em></div>

Montois célèbres : Marouane Fellaini

Thomas Istasse - Arts²

<div>Le projet baptisé « Montois Célèbres » a ainsi été réalisé par les élèves de l’atelier de dessin d’Arts2 qui ont tous choisi une personnalité montoise à travailler : Roland de Lassus, Charles Malapert, Marguerite de Constantinople, Salvatore Adamo ou encore Marouane Fellaini. Une liste de 20 noms qui se dévoilera au fur et à mesure...<br>&nbsp;<br>Le nom Malapert désigne trois choses aujourd’hui. Il s’agit avant tout du chercheur et mathématicien montois Charles Malapert qui tout comme Galilée à la même époque, scrutait et étudiait le ciel. C’est en son honneur que son nom fut donné à deux lieux, tout d’abord à ce croisement de rue, un modeste hommage rendu à cette astronome. Le second lieu n’est quant à lui pas terrestre, il s’agit d’un cratère au pôle Sud de la lune surmonté d’une montagne.&nbsp; Ainsi c’est la tête en bas et couvert d’un jet d’or, comme constamment baigné dans la lumière du soleil, que ce cratère et ce mont nous illumine en retour&nbsp;</div>

Montois célèbres : La lune de Malapert

Ludovic Cuche - Arts²

<div> Le projet baptisé « Montois Célèbres » a ainsi été réalisé par les élèves de l’atelier de dessin d’Arts2 qui ont tous choisi une personnalité montoise à travailler : Roland de Lassus, Charles Malapert, Marguerite de Constantinople, Salvatore Adamo ou encore Marouane Fellaini. Une liste de 20 noms qui se dévoilera au fur et à mesure...<br>L’œuvre présente Marguerite de Constantinople qui fut Comtesse de Flandre et de Hainaut au 13ème siècle.</div>

Montois célèbres : Marguerite de Constantinople

Collin van der Sluijs

<div>Collin van der Sluijs est un peintre et illustrateur renommé de Maastricht, aux Pays-Bas, où il vit et travaille.<br><br></div><div>Il a commencé à écrire des graffitis à l'âge de 11 ans et à l'âge de 12 ans, Collin van der Sluijs a fréquenté l'école de peinture traditionnelle de Goes, aux Pays-Bas, où il a étudié les techniques et la théorie de la peinture (traditionnelle).</div><div><br></div><div>En 1996, Collin van der Sluijs a obtenu son diplôme et a ensuite été accepté pour une formation de 4 ans en peinture et en graphisme à St.Lucas à Boxtel, aux Pays-Bas.</div><div><br></div><div>Après avoir obtenu son diplôme en 2000 à St. Lucas, Collin a fréquenté l'académie d'art St. Joost à Breda, aux Pays-Bas, où il a étudié l'illustration pendant 4 ans et a obtenu un baccalauréat en 2004.</div><div><br></div><div>Il est largement reconnu pour ses extraordinaires représentations oniriques d'histoires de tous les jours qui remettent en question nos plaisirs et nos luttes personnels, ainsi que la société en général.</div><div><br></div><div>Le travail exceptionnel de Collin a été publié dans des magazines et des livres, et exposé dans des galeries du monde entier, notamment aux Pays-Bas, en Allemagne, en France, en Belgique, en Italie, au Royaume-Uni, en Espagne et aux États-Unis.</div><div><br></div><div>La première exposition personnelle de Collin van der Sluijs à la Vertical Gallery de Chicago a été un énorme succès lorsque toutes ses œuvres d'art ont été vendues lors de l'exposition en mai 2016.</div><div><br></div>

Patiently

Loraine Motti

<div>De l'illustration à la fresque murale, l'univers graphique de Loraine a d'abord pris forme dans un contexte nomade au cours de longues résidences en Amérique du Sud.<br><br></div><div>Après ses débuts sur des friches de région parisienne en 2009, sa pratique de la peinture murale se développe au Chili où elle réside à partir de 2014.<br><br></div><div>Aujourd'hui basée à Lyon, son style s'est cristallisé sur une base surréaliste, dont le thème récurrent est celui du paysage, interprété de manière poétique et idéaliste, dynamisé par ses choix de couleurs décalées faisant tendre la plupart de ses travaux vers un graphisme onirique.<br><br></div><div>Sur la base technique acrylique et aérosol, son travail de fresque s'élève à hauteur monumentale aussi bien qu'à petite échelle. Ainsi elle travaille aussi bien les techniques de la peinture sur toile, de l'illustration sur papier, de la sérigraphie, que la technique de la bombe aérosol.<br><br></div>

Icare

Farid Rueda

<div>Farid Rueda est né à Morelos, officiellement intitulé État libre et souverain de Morelos. La fierté mexicaine est profondément ancrée dans ces terres, il n'est donc pas surprenant de voir à quel point cet artiste a de l'affection pour son pays. Lorsque le jeune Farid a eu neuf ans, sa famille a déménagé à Xochimilco, à Mexico. C'était le moment crucial pour son développement car ce transit signifiait que Rueda avait beaucoup plus d'art à sa disposition - Xochimilco offrait beaucoup plus de galeries et d'institutions artistiques. Il entre à la célèbre ENAP (Escuela Nacional de Artes Plásticas ou École nationale des arts visuels).<br><br></div><div><br><br></div><div>Au fil des ans, Rueda a travaillé aux côtés de collègues graffeurs très célèbres, tels que Saner et LeSuperDemon. La combinaison des styles de ces visionnaires nous a permis d'obtenir des<br><br></div><div>résultats extrêmement intéressants et des pièces qui ont eu la chance d'avoir le meilleur de chaque auteur combiné à l'intérieur. Quel que soit le projet sur lequel Farid travaillait, la principale caractéristique de la couleur n'a jamais été remise en question. C'est sans aucun doute sa marque de fabrique la plus connue. Il convient de noter que Farid Rueda fait partie de la vague des non-galeries et ne pense pas que les graffitis devraient jamais être supprimés et introduits dans des musées ou autres. Cela équivaudrait à détruire les morceaux, comme si vous vouliez amputer un bras et vous attendre à ce qu'il continue à vivre. De telles actions détruisent également une partie vitale de l'identité du graffiti - cela change sa relation avec les spectateurs. Rueda a dit un jour : Quand mon travail est exposé dans des galeries, les gens sont instantanément « programmés » pour croire que ce qu'ils voient est de l'art – même si parfois ils ne le comprennent pas. C'est différent dans la rue, les critiques sont partout dans le monde et les artistes peuvent se connecter avec tous les spectateurs, au-delà de leurs goûts et de leurs connaissances en la matière et c'est le plus grand compliment dans cette ligne de travail.<br><br></div>

The Guardian

Jellyfish

<div>Artiste au CV impressionnant, Patrick Croes (ou encore Jellyfish) est pourtant un personnage discret. En tant que graphiste, il multiplie les projets avec des grands noms comme Galler, Jean-Paul Lespagnard mais aussi avec la chanteuse Yelle. Il montre aussi du talent dans le domaine des courts-métrages avec plusieurs réalisations en tant que motion designer. Cependant, l’artiste est à la base formé à la peinture, qu’il fait découvrir à travers plusieurs expositions depuis 2001. Son univers est coloré et ses motifs multiculturels.</div>

Les mineurs

Dulk

<div>Bio de l’artiste : Antonio Segura Donat (Dulk) L'artiste Dulk, Antonio Segura, est l'un des noms les plus importants de la peinture de Valence au niveau international. Son œuvre commence à se former dans l'art urbain et la peinture murale – auxquels il reste aujourd'hui étroitement lié – en même temps que le travail d'étude, mais ne s'arrête pas là. Il continue de rechercher et de créer sans cesse de nouvelles formes d'expression à travers différents médiums, le dessin, la sculpture ou la photographie entre autres. Fidèle à son essence - avec une forte conviction écologique pour défendre les écosystèmes et les espèces les plus vulnérables - cette œuvre invite le spectateur à faire partie d'un imaginaire unique, plein d'énergie et avec une sensibilité particulière à la couleur. Un monde de rêve avec des animaux et des espaces naturels qui raconte des histoires personnelles, universelles et uniques.&nbsp;</div>

The battle

third

<div>&nbsp;L'artiste rend hommage aux soldats de la première guerre mondiale et à la faïencerie.&nbsp;<br><br>Mot de l'artiste:&nbsp;</div><div>L'inspiration pour cette fresque&nbsp; est venue de la reconnaissance d'événements historiques qui marquent l'histoire de Nimy, mais aussi d'un regard personnel sur ce que j'ai appris. Tout d'abord, la marque historique de la bataille de Mons, immortalisée dans le poème de John McCrae « In Flanders Fields », et la référence aux coquelicots, qui honorent les soldats tombés au combat pendant la Première Guerre mondiale. Les soldats et les coquelicots sont devenus des éléments centraux, car j'ai ressenti une grande proximité avec la représentation de la fleur comme symbole d'hommage et de résistance.Dans mon pays, le Portugal, l'oeillet est la fleur qui représente populairement et unanimement le combat pour la liberté, qui ne doit jamais cesser.</div><div>A ces éléments s'ajoute la céramique, élément tout aussi important dans l'histoire économique et culturelle de la ville de Nimy.</div><div>Enfin, la familiarité inspirée de la figure du chat, reliant tous les autres éléments. Combien d'entre nous quittent les chemins bétonnés des yeux pour regarder un chat allongé sur une fenêtre au soleil ? Que ce moment de tendresse se répète sur quiconque regarde cette fresque.</div>

The house of poppies

3TTman

<div>Le mural "La promenade" fait à la fois référence au contexte historique du mur qui borde un chemin qui était autrefois emprunté par les enfants pour aller à la piscine et aux animaux (vaches) pour aller dans les champs.&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div>On discerne effectivement sur la peinture 4 enfants qui accompagnent 4 animaux (tigre, éléphant, oiseau, serpent) vers un endroit/but commun.&nbsp;</div><div>C'est une allusion à l'enfance, à l'imaginaire mais aussi à un future proche inquiétant pour les générations à venir concernant le devenir de la nature…&nbsp;</div><div>Les enfants d'aujourd'hui doivent marcher main dans la main avec la nature afin de la protéger et de s'assurer un avenir convenable.</div>

La promenade

Dynam

<div>&nbsp;Le travail des ouvriers de l’industrie du verre qui a marqué l’histoire de la commune est remis à l’honneur grâce à l'oeuvre de Dynam.&nbsp;<br><br>Mot de l'artiste:<br>Souffleur de verre est une œuvre que j'ai réalisé à Mons.<br>J'ai, en effet, essayé de mette en premier plan un personnage qui est entrain de faire son métier, il est évidemment Marocain et cela se remarque par son code vestimentaire qui reflète donc mes origines et qui est un fil conducteur dans mon travail.</div><div>Pour les couleurs, j'ai choisi une palette vive afin de créer un contraste entre le personnage réaliste et l’arrière-plan graphique.</div>

Le souffleur de verre

Lucien Gilson aka NOIR

<div>La thématique est Jemappes et ses symboles (le coq, le parc, la gare, … ) mais aussi le passé industriel (porcelaine, laminoirs, charbonnage) et l’idée est de rappeler aux Jemappiens qu’ils ont de quoi être fiers.&nbsp;</div>

Made in Jemappes

Les étudiants d'Arts²

Fenêtres Roland de Lassus

Danae Brissonet

<div>L'oeuvre:&nbsp;</div><div>Inspirée du blason de la ville de Hyon, Danaé Brissonet a choisi la licorne comme icône centrale de la murale pour sa puissante incarnation de la purification et de la guérison. Dans l’oeuvre, elle culminera au centre d’un environnement intriguant et inquiétant pour soigner l’être qui la chevauche. Elle purifiera son cœur en lui redonnant la vision des couleurs, racontée par un arc-en-ciel qui sortira de la tête-fleur du cavalier. En cette période étrange de mouvements et de transformations où nous devons nous adapter et nous permettre de changer, la licorne est l’archétype idéal pour raconter cette singularité et donner un espoir de guérison.&nbsp; &nbsp;<br><br></div><div>L'artiste:&nbsp;</div><div>"Danaé Brissonnet est une artiste internationale du Québec, Canada spécialisée dans les murales publiques, l'illustration, la fabrication de masques et la marionnette. Son plus récent corpus d'œuvres colorées et fantastiques d'inspiration folklorique est éparpillé du Mexique,&nbsp; de Porto Rico au Maroc, ainsi qu'en Inde et en Espagne. Créant des mondes imaginés pour le spectateur, son travail invite à une réflexion plus approfondie sur le pouvoir du symbolisme, du mythe et de la métaphore. L'art de Brissonnet renforce les liens entre son travail, elle-même et le public dans lequel il s'engage. Plus important encore, son processus consiste à s'impliquer dans des communautés où elle peut raconter des histoires de peuples, de leurs terres et de leur culture. Partout où Brissonnet crée, il y aura probablement un atelier, où elle pourra partager son expérience. Elle cherche des endroits où l'art n'est pas accessible et trouve important de travailler avec les enfants pour les inspirer à peindre leurs histoires avec les matériaux dont ils disposent. Le travail professionnel de Brissonnet est ce qui lui permet de voyager dans ces zones de conflit et ces communautés rurales. Laissant une trace colorée, son art a un sentiment d'accessibilité car elle traduit visuellement son histoire et celle des autres. Le travail de Brissonnet existe comme une empreinte de changement et d'inspiration pour les endroits qui, selon elle, en ont le plus besoin."&nbsp;</div>

La licorne

<div>Les demandes de thématiques étaient pour la rue des capucins des références à la ducasse, tout en mettant en avant un aspect de gaieté et de positivité. Paul Segard a donc choisi de ne pas aborder frontalement le thème de la ducasse et de centrer son travail sur un message poétique et résolument positif. Une enfant assise sur un arbre en fleur entrain de discuter avec un oiseau. Il a appelé cette pièce «Un nouveau printemps», en référence à une renaissance et un renouveau dans la nature. Le quartier capucin étant un espace en transition vers une nouvelle dynamique positive.&nbsp; Les références à la ducasse sont bien présentes, elles sont cachées&nbsp; dans les détails, si bien que l’œuvre devient une invitation pour le spectateur à se plonger dedans pour les découvrir. &nbsp;</div>

Un nouveau printemps

<div>La thématique initiale étant le patrimoine montois, l'artiste a décidé d’intituler la fresque «Ma ville s'endort». Il a eu envie d'une œuvre plus douce, représentant le côté pittoresque du centre ville de Mons qu'il aime tant. Des couleurs pastelles, un personnage endormi veillant sur sa ville, une étreinte … Tout ça semblait symboliser pour lui l'attachement que les Montois ont pour leur ville. &nbsp;</div>

Ma ville s'endort

Spear

<div>Corentin "Spear" est un artiste peintre belge né en 1988. Il est diplômé de la Cambre et a suivi des cours du soir à l'Académie royale des Beaux-Arts.<br>Il participe à des expositions collectives en Europe et présente ses oeuvres des expositions solo. De nombreuses villes font appel à lui pour des oeuvres de street art.<br>&nbsp;<br>Pour réaliser la fresque sur Van Gogh à Cuesmes, Spear s'est tout d'abord intéressé à la&nbsp; vie de Van Gogh et notamment à son passage à Cuesmes. Van Gogh était quelqu’un de très proche du peuple et la majorité de ses sujets sont des sujets issus d’un quotidien populaire. Il ne peignait pas la bourgeoisie.<br>Spear s'est reconnu dans la vision de la société de Van Gogh et dans la sélection du sujet pour la fresque.<br>Lors de son passage à Cuesmes, Van Gogh était proche des mineurs de part sa mission évangéliste.<br>Spear souhaitait donc qu’il y ait un lien avec le monde minier dans sa fresque, d'où le chassis à molette qu’on aperçoit dans le fond de celle-ci.<br>&nbsp; <br>Pour s’inspirer de l’univers de Van Gogh, Spear s'est rendu au musée qui lui est consacré à Amsterdam pour nourrir son inspiration quant à la composition, la palette de couleur et la touche très caractéristique de son travail. L'œuvre réalisée à Cuesmes est basée sur le tableau <em>“Champs de Blé aux corbeaux”</em> réalisée en 1890.<br> &nbsp;<br> "La réalisation de cette fresque était pour moi une très chouette rencontre entre la peinture de Van Gogh et la mienne, le travail de matière et de la touche était particulièrement intéressant à développer et même si à la base Van Gogh ne fait pas partie de mes références phares ce projet m’a beaucoup amusé et m’a permis de découvrir de nouvelles choses dans la peinture."&nbsp;</div>

Hommage à Van Gogh

<div>NOIR Artist (Lucien Gilson) est un jeune artiste plasticien et peintre muraliste belge formé à Saint-Luc Liège. NOIR Artist réalise des toiles ainsi que des fresques murales sur à peu près tous les formats et supports. Mais toujours en nuances de NOIR. Ou presque, puisque la couleur et l’or s’invitent aussi désormais dans l’univers de NOIR.<br>Peintures, dessins, fresques monumentales, art mural, trompe l’oeil, décoration et design urbain, ce travail « au noir » laisse peu de regards indifférents. Inspiré par la pub, le pop art, l’art baroque ou encore la calligraphie, NOIR Artist décline avec grâce ses obsessions picturales hyperréalistes et ses envolées plus abstraites.<br>&nbsp;<br>Dans cette fresque intitulée « Voir au-delà », NOIR artist nous encourage à toujours regarder au-delà de nos difficultés et obstacles dans notre vie.<br>S’il devait y avoir un thème à cette oeuvre, ce serait « Oser briser ses chaînes », comme le montre la colombe en haut du mur.<br>Beaucoup trop d’entre nous vivent avec des contraintes, des doutes ou des incertitudes qui les empêchent d’avancer. L’oeuvre nous rappelle à quel point il est important de toujours regarder vers le haut et vers ses rêves, car ce n’est qu’en faisant cela qu’ils pourront un jour se réaliser.<br>La colombe est symbole de paix et de sérénité. Cet oiseau est très présent dans l’oeuvre et surtout au niveau de l’esprit du personnage. Le message est qu’il n’y a qu’avec une sérénité d’esprit que nous serons capable de nous envoler complètement.&nbsp;</div>

Voir au delà

Leonidas Giannakopoulos

<div>Leonidas Giannakopoulos est né en Crète en 1983 et est diplômé de l'école d'Arts d'Athènes.<br>Durant les 10 dernières années, il a participé à de nombreuses expositions multi-artistes. Il a également eu 3 expositions solo en en Grèce mais aussi en Europe. Il a aussi été choisi pour produire de nombreuses oeuvres de street art en Grèce et à l'étranger.<br>&nbsp;<br>En créant l'oeuvre "Global City", l'intention de Leonidas était de produire une composition qui représente le concept et l'histoire du Mundaneum et les idées de ses fondateurs.<br>Le titre de l'oeuvre est inspiré de la vision que Paul Otlet avait d'une ville mondiale qui rayonnerait des connaissances au reste du monde et apporterait la paix et la coopération mondiale.<br>Leonidas a voulu créer une oeuvre qui représente le concept du Mundaneum mais aussi le besoin humain de rêver l'impossible et de viser l'avenir avec audace.&nbsp;</div>

Global City

Nean

<div>"Les instants que nous vivons, les personnes que nous croisons, les lieux que nous traversons, impriment nos souvenirs. Mais ce passé qui passe, nostalgique ou factuel, subit les affres de la mémoire : il s’altère, se brouille, s’amalgame ou s’évapore. Les travaux les plus personnels de NEAN s’attachent à cette problématique du temps, à ces petits arrangements avec le roman de nos vies, pour un peu plus de meilleur ou un peu moins de pire. Le mur comme support épouse parfaitement ce rapport au temps, avec son vieillissement et sa décrépitude, qui ne sont jamais l’oubli ; ou avec l’amalgame des interventions qui, même sous les strates, garde la trace de leurs présences.<br>Né en 1991, NEAN vit et travaille à Bruxelles."<br>&nbsp;<br>&nbsp;<br>"L'idée derrière cette oeuvre est de rendre hommage à Cybèle et Poliade, deux figures présentes dans l'arène du combat dit Lumeçon. Au-delà de son aspect purement décoratif, cette fresque est l'opportunité de saluer un folklore vivant qui accueille l'idée d'évoluer, se réinventer."&nbsp;</div>

Cybèle et Poliade

Blancbec

<div>Sa fresque « Les chasseurs d’orteils » est une revisite de la légende urbaine « Les Coupeux d’Artoilles », surnom donné aux Ghlinois. Croisée avec l’univers de Gulliver, l'histoire de l'artiste raconte la rencontre entre un braconnier et des vivants de la vallée venus défendre leur forêt. La fin de cette mésaventure se clôture par un festin d’orteils autour d’un feu de bois.</div>

Les Chasseurs d'orteils

10ème Arte

<div>10eme Arte est composé d’un duo de jeunes femmes travaillant à Bruxelles, l’une espagnole, Almudena Pano, l’autre italienne, Elisa Sartori. Sartori est une femme riche d’un parcours de vie multiculturelle. Née en Italie, à six ans, son père décide d’emmener toute la famille en Afrique. À dix neuf ans, elle revient en Italie et s’installe à Venise pour étudier la Décoration à l’Académie de Beaux- Arts. « Je me suis rendu compte qu’il est très important pour moi de raconter des histoires afin de rendre la réalité plus amusante et plus charmante. Par exemple, je préfère vous dire que mon père est Indiana Jones, alors qu’en réalité il est juste géologue.» Aujourd’hui, la voici depuis quelques années à Bruxelles où elle s’amuse à écrire des livres pour enfants, donne des ateliers artistiques et publie des illustrations pour des journaux. Elle est professeure en secondaire. « 10emeArte est un projet qui me donne la possibilité de développer à ma façon mes illustrations et de collaborer avec ma très bonne amie Almudena».<br>&nbsp;Almudena Pano est née dans un petit village au coeur des Pyrénées. Formée en Publicité et Relations Publiques à l’Université Complutense de Madrid, rapidement face au monde de la publicité, elle se trouve devant un « gros souci d’ordre moral, dit-elle. Mes valeurs me poussent à vouloir toucher les gens, à les faire rire et réfléchir et je ne voulais pas contribuer à construire un monde aussi superficiel à mes yeux ». Aujourd’hui, elle vit à Bruxelles et est auteur illustratrice de livres pour enfants et de bandes dessinées. « 10emeArte est un projet qui me permet de créer des projets en adoptant une autre approche vis-à-vis de l’espace, du public et de la finalité de l’image... et bien sûr, de travailler avec mon âme soeur Elisa. » C’est deux femmes-là forment un collectif d’artistes bien ancré dans notre monde parlant un langage des enfants mais qui touche l’adulte tout autant.<br>&nbsp;Le folklore montois a été une totale découverte pour ces deux jeunes femmes qui ont été tout spécialement marquées par la ferveur du public, véritable acteur du combat dit Lumeçon. Seuls les visages amassés sont ici présentés dans leur diversité bigarrée de style, d’âges et de sexe. Mais ce qui est encore plus marquant à voir dans cette représentation, c’est la manière dont le public et les acteurs du combat sont unis dans une même ferveur vive et enthousiaste. Le deuxième volet en contre haut vient compléter la fresque montrant des ballons s’envoler dans le ciel, à la physionomie étrangement similaire des foules amassées au sol ; une symbolique de liberté et de légèreté. Cette fresque symbolise en effet l’enthousiasme du public montois et notamment ce fait marquant qu’est l’envol des ballons suite au coup de queue du dragon à son arrivée sur la Grand-Place. Le cortège des acteurs et du dragon suit un parcours bien précis : Le cortège part de la collégiale Sainte-Waudru et descend la rue des Clercs qui mène à la Grand-Place. Durant ce trajet, le dragon donnera trois coups de queue dont un doit libérer un bouquet de ballons multicolores gonflés à l’hélium. Il s’agit là d’un ajout tardif au scénario du cortège, datant de la fin de la Seconde Guerre mondiale. L’envol multicolore des ballons dans le ciel insuffle un moment d’émotion, juste avant que<br>&nbsp;le dragon n’entame sa longue traversée au travers d’une foule en liesse rassemblée sur la Grand-Place;<br>&nbsp;l’envol des ballons représente un signe positif de liberté…&nbsp;</div>

L'Envol des ballons

Jan is de Man

<div>Jan is de Man s’est spécialisé dans la représentation de bibliothèques monumentales qu’il peint en trompe-l’oeil sur les façades de grandes villes. L’emplacement choisi pour cette fresque est symbolique, car elle occupe un pignon à proximité de la Place de Nimy sur l’axe d’une des principales entrées de Mons. La Bibliothèque de Nimy, ainsi dénommée, est impressionnante autant par le style et l’ampleur de la fresque qui prend possession de la totalité de la surface du mur, que par les richesses qu’elle dévoile. En effet, l’intérêt ici ne réside peut-être pas tant dans la prouesse technique que dans l’iconographie que l’artiste prend le soin de détailler à chaque étage de la fresque. Rien n’est dû au hasard ! La bibliothèque est l’espace le plus intime et le plus précieux que nous puissions avoir chez soi ; elle renferme des trésors cachés, bien souvent oubliés, enfouis dans nos mémoires. Elle conserve aussi une connaissance accumulée ainsi que des histoires lues et transmises de père en fils… Par contre, les bibliothèques publiques, tout comme les musées, conservent en leur sain une histoire commune. Cette mémoire collective de Nimy est le sujet premier de cette fresque. Ce trompe-l’oeil à l’échelle urbaine, côté rue, remet au goût du jour une histoire aussi intime que oubliée ; elle appartient aux familles de cette bourgade au pied de Mons. L’histoire de Nimy est ingrate à plus d’un titre, car souvent trop assimilée à celle de Mons. Pour cause leurs histoires se croisent et s’entremêlent souvent : celle des remparts, du chapitre de Sainte-Waudru, du passage de la Haine, de l’industrialisation ou encore celles des grandes batailles. Le village de Nimy est situé sur la route de Bruxelles à quelques centaines de mètres de l’une des grandes entrées dans la Cité du Doudou. La proximité de Nimy et de Mons est telle que le bâti immobilier est continu entre les deux communes. Cette situation géographique fera que Nimy deviendra un axe autoroutier très important, qui coupera le village en deux. Pourtant, cette petite bourgade a eu ses heures de gloire. Ce village, aujourd’hui essentiellement résidentiel, était un haut lieu de la vie industrielle régionale : fabriques de fer, aciéries, faïenceries et... fabriques de pipes en terre, véritable spécialité locale qui porta loin les noms de Nihoul et Scouflaire, héros de l’artisanat nimysien. Tout commence avec la création d’une usine de faïencerie qui s’installe à Nimy vers 1789, à proximité de la Haine et des ses moulins. Nos régions sont alors sous la domination des Pays-Bas autrichiens. Durant cette période, la faïencerie de Nimy obtient même de Joseph II le titre prestigieux de « Fabrique Impériale et Royale». En 1810, la manufacture emploie près 250 ouvriers, elle restera active jusqu’en 1950 et les bâtiments sont démolis 4 ans plus tard. Durant toute la durée de ses activités, près de deux siècles, l’établissement employait des ouvriers dont la plupart appartenaient à de vieilles familles de faïenciers, car à Nimy, on l’était de père en fils.&nbsp; Outre les articles de ménage, la faïencerie fabriquait des flambeaux ornés de figures, des groupes en biscuit «Belgique et Champêtre», tels qu’on peut en voir dans ce trompe-l’oeil. Dans ce registre, n’oublions pas les pipes à têtes de femmes, de vieillards ou parfois même aux sujets érotiques. Une véritable économie locale se développe autour de cette thématique empreint d’une particularité artistique dans la décoration des «têtes de pipes» qui a animé la Cité de Nimy jusqu’au début du siècle passé; ces objets absolument uniques en leur genre sont hélas totalement oubliés aujourd’hui. Enfin notre regard est attiré par une plaque commémorative, elle célèbre le courage du Lieutenant Dease et du soldat Godley. Elle se trouve à proximité du pont de Nimy. Il s’agit là d’un fait historique important qui appartient autant à la mémoire collective des nimysiens qu’à celle des Anglais. En effet, la première Victoria Cross décernée par le gouvernement anglais pendant la Grande Guerre récompense la vaillance du soldat Godley,qui parvint à défendre seul le pont de Nimy face à l’ennemi allemand en surnombre; et ce, durant près de deux heures. Ce fait d’arme donna la possibilité à son bataillon de retraiter sans perte. Prenons aussi le temps de regarder chaque ouvrage, chacun raconte un fragment d’histoire qui relie Nimy à Mons...&nbsp;</div>

La Bibliothèque de Nimy, Trompe-l’oeil

Farm Prod.

<div>FARM PROD est un collectif qui rassemble plusieurs artistes-plasticiens autour de projets créatifs variés, installé à Bruxelles depuis 2003.<br>Issus d’une même formation artistique, chaque membre a, au fil du temps, développé ses propres compétences. L’équipe réunit aujourd’hui peintres, graffeurs, graphistes, web-designers, illustrateurs et vidéastes. Cela fait 15 ans que ces différentes énergies organisent et participent ensemble à des événements socioculturels en Belgique et à l’étranger. L’équipe a toujours eu des affinités avec la culture graffiti / street-Art et c’est lors de leur invitation au festival Kosmopolite en 2008 à Paris qu’ils commencèrent réellement à développer des projets dans cette direction. « Ces références sont libres d’interprétations, expliquent les artistes». Il s’agit, pour eux, de proposer un voyage dans le temps sous la forme d’un questionnement autour de l’évolution de l’humanité. Ceci étant dit, la signification des arcanes majeurs du Tarot est tournée vers la connaissance de soi. Il s’agit d’une aide concrète et personnalisée qui va parler à la personne d’elle-même et de ses possibilités d’évoluer. Dans cet état d’esprit, toute la magie qui tourne autour de cette fresque nous évoque un Memento Mori des temps actuels. « Souviens-toi de la mort », cette terrible sentence fonctionne comme une voix de la conscience et permet d’établir une dissociation entre deux dimensions de l’existence, celle du monde quotidien, la position dans laquelle nous nous situons précisément face à cette représentation, et celle marquée par la conscience de notre finitude, de notre mort. Jamais autant cette maxime n’aura résonné aussi fort dans nos esprits ; plus que jamais, elle nous rappelle le caractère fragile de la vie. Cette fresque est extrêmement impressionnante car elle s’intègre sur la totalité de la façade de la maison. Complexe d’un point de vue iconographique, elle se subdivise en deux parties, l’une céleste dominée par Adam et Eve, l’autre reproduit des figures emblématiques des cartes de Tarot encadrées d’un décor végétal. Parmi ces personnages, nous reconnaissons au point culminant de la fresque «Les Amoureux», symbolisés par Adam et Eve. Ils trônent au sommet de cadrans qu’on identifie comme un<br>baromètre, une horloge et une boussole, tous trois dépeints de façon très réaliste, en allégories de la « Roue de la fortune ». Nous voyons au détour du pourtour des cadrans, des singes: clin d’oeil à Mons. Dans les alcôves du bas, de gauche à droite, nous identifions : «L’Empereur», «La Mort», «Le Monde» et «La Tempérance».</div>

Oeuvre de Farm Prod

Céleste Gandolphe

<div>Céleste Gangolphe s’est récemment installée à Bruxelles, après une première vie professionnelle passée à Paris au journal L’Express. Elle se spécialise aujourd’hui dans le dessin, la peinture et la création de fresques murales. Céleste Gangolphe oscille entre différents styles graphiques, ce qui lui permet d’adapter librement ses compositions en<br>fonction des spécificités du projet. Le plus souvent, elle réalise des géants, parfois androgynes, à qui elle attribue des postures douces et inspirantes.<br>Passionnée de motifs, Gandolphe travaille les textures, les matières et intègre dans ses travaux des imprimés textiles, du papier peint ou encore des mosaïques. Attachée au dessin, à la peinture et au collage, elle tente de construire à travers ces médiums des images fragiles et sensibles qui peuvent trouver une place dans l’espace public.<br>Il s’agit toujours pour elle de s’adapter à un lieu et à ceux qui y vivent, tout en essayant de créer un univers qui interpelle et qui raconte une histoire.<br>Clairement, elle aime installer des décors de rue et mettre en situation des personnages imaginaires, souvent mi-homme mi-femme, portant des motifs colorés, proches des imprimés textiles et du papier peint.<br>&nbsp;<br>Voici en pleine ville une fresque végétale envahissant le mur de façade. Mons étant une ville minérale, tout apport végétal est donc visuellement très marquant dans le parcours de cette rue qui relie la gare à la rue piétonne. Céleste Gangolphe rend ici hommage aux hommes et aux enfants de feuilles du Doudou.<br>Quelques-uns de ces personnages se trouvent, en effet, enfouis dans ce lierre rhizomique s’agrippant peu à peu aux lézardes des briques du mur. Outre le magnifique travaille de texture et de matière qui se développe tout en nuance de vert luisant sur la façade, l’artiste est aussi parvenu à intégrer dans ce camouflage des clés d’interprétations que seul un regard aiguisé et averti peut décoder. Pour l’artiste, cette fresque aborde le rapport Homme et Nature omniprésent dans le combat dit Lumeçon.<br>Outre ce rapport essentiel dans la ducasse entre Sauvage et Civilisé, un autre thème important apparaît en filigrane au travers de cette fresque, celui de la filiation qui assure la transmission de ce mythe depuis des générations et des générations.<br>&nbsp;<br>Le doudou des enfants joué une semaine après celui des adultes est devenu au fil des années un moment clef essentiel et déterminant dans la reconnaissance de ce patrimoine vivant et adapté à notre société actuelle.<br>Aussi appelés Hommes sauvages, les Hommes de Feuilles soutiennent et gardent la queue du dragon. Ils sont au nombre de huit. Ils l’extirpent littéralement du public à chaque coup de queue. Ils sont habillés d’une veste et d’un pantalon verts recouverts de feuilles de lierre au nombre de 1500 à 2000 environ.<br>Elles sont cousues à la main de fil noir, les jours précédant la Ducasse. Les Hommes et Enfants de Feuilles sont couverts d’un long chapeau conique retombant derrière la tête, portant des feuilles lui aussi. La chemise des Hommes de Feuilles est rouge comme les revers de leur veste et leur cravate est jaune. Leurs massues vertes à picots rouges complètent leur apparence pour leurs donner les attributs de force et de puissance de la Nature, qui s’amenuisent au fil du Combat. Au fur et à mesure de leur effeuillage, les vestes dévoilent un dessin original d’une massue sur une feuille, sur la poche de poitrine et sur le dos.&nbsp;<br><br>Céleste Gangolphe is onlangs naar Brussel verhuisd na een carrière in Paris bij de krant L’Express. Ze is nu gespecialiseerd in tekeningen, schilderkunst en muurschilderingen. Céleste Gangolphe gaat heen en weer tussen verschillende grafische stijlen, waardoor ze haar composities kan aanpassen in functie van de specifieke kenmerken van het project. Meestal creëert ze reuzen, soms androgyne reuzen, die ze zachte en inspirerende houdingen toekent.<br>Gandolphe is gepassioneerd door motieven en werkt met texturen en materialen. Ze integreert in haar werken bedrukt textiel, behangpapier of mozaïeken. Ze probeert via het medium van de tekening, schilderkunst of de collage, kwetsbare en gevoelige beelden te creëren die een plaats kunnen krijgen in de openbare ruimte.<br>Voor haar is het altijd belangrijk om zich aan te passen aan een plaats en aan de bewoners ervan. Ze doet dat door een wereld te creëren die aanspreekt en een verhaal vertelt.<br>Ze maakt duidelijk graag straatdecoraties en plaats denkbeeldige personages in bepaalde situaties. Vaak zijn ze half-vrouw half-man, met gekleurde motieven, die lijken op bedrukt textiel en behangpapier.<br>&nbsp;<br>Hier vinden we midden in de stad een muurschildering met planten die de muur van de gevel in beslag neemt. Mons is een stad met weinig groen dus groen springt in het oog in deze straat die van het station naar de voetgangersstraat leidt. Céleste Gangolphe brengt hier hommage aan de mannen en kinderen bedekt met bladeren van de Doudou.<br>&nbsp;Een aantal van deze personages zijn namelijk ondergedoken in de klimop die zich beetje bij beetje vastgrijpt aan de barsten in de bakstenen. Buiten het prachtige werk van textuur en materie dat zich ontwikkelt in schakeringen van groen die glinsteren op de gevel is de kunstenaar er ook in geslaagd sleutels voor de interpretatie te integreren in deze camouflage die enkel een scherp en gewaarschuwd oog kan decoderen. Voor de kunstenaar brengt deze muurschildering de verhouding tussen mens en natuur ter sprake, een thema dat alomtegenwoordig is in het gevecht dat “Lumeçon” genoemd wordt.<br>&nbsp;Naast deze essentiële verhouding van de Ducasse tussen Wild en Beschaafd komt ook een ander belangrijk thema tussen de lijntjes aan bod in deze muurschildering, namelijk dat van de verwantschap die ervoor zorgt dat deze mythe van generatie op generatie doorgegeven wordt.<br>&nbsp;<br>&nbsp;De Doudou van de kinderen die een week na die van de volwassenen plaatsvindt, is door de jaren heen een essentieel en bepalend sleutelmoment geworden in de erkenning van dit levende erfgoed. Het wordt op deze manier aangepast aan onze eigentijdse samenleving.<br>&nbsp;De mannen bedekt met bladeren, ook wildemannen genoemd, ondersteunen de staart van de draak en houden hem vast. Er zijn acht van die mannen. Zij verdrijven hem letterlijk uit het publiek bij elke slag van de staart. Ze dragen een groen jasje en een groene broek die bedekt zijn met zo'n 1500 tot 2000 klimopbladeren. Die bladeren worden de dagen voor de Ducasse met een zwarte draad met de hand op de broek en vest genaaid. De Mannen en Kinderen bedekt met Bladeren dragen een lange kegelvormige hoed die achter het hoofd valt en ook bedekt is met bladeren. Het hemd van de mannen bedekt met bladeren en de revers van hun jasje zijn rood. Hun das is geel. Groene knuppels met rode stekels maken hun uitrusting af en geven hen de attributen die de tijdens het gevecht verminderende kracht en macht van de natuur symboliseren. Wanneer het gebladerte geleidelijk loskomt, zien we op de borstzak en op de rug van hun jasjes een originele tekening van een knuppel op een blad.&nbsp;<br><br>Céleste Gangolphe moved to Brussels recently, after an initial professional career spent in Paris at L'Express (a weekly news magazine).&nbsp; She now specializes in drawing, painting and creating murals. Céleste Gangolphe oscillates between different graphic styles, which enables her to adapt her compositions freely&nbsp; depending on the specific features of the project. Most often, she creates giants, sometimes androgynous, to whom she attributes soft and inspiring postures.<br>Passionate about motifs, Gandolphe works with textures and materials and integrates textile prints, wallpaper and mosaics into her work. Attached to drawing, painting and collage, she uses these mediums to create fragile and sensitive images that can find their way in public space.<br>For her, it is always a matter of adapting to a place and to those who live there, while trying to create a universe that challenges and tells a story.<br>She likes to set up street installations and to put imaginary characters, often half-man half-woman, into situations, decked with colourful patterns, close to textile prints and wallpaper.<br>Here is a plant fresco invading a front wall right in the middle of the city. Mons is a mineral city, so any plant contribution is visually very striking on this street which connects the train station to the pedestrian thoroughfare. Céleste Gangolphe pays tribute to the Leaf men and children of the Doudou festival.<br>Some of these characters are buried in this rootstalk ivy clinging little by little to the cracks in the bricks of the wall. In addition to the magnificent work of texture and material that develops in shades of shiny green on the facade, the artist has also managed to integrate into this camouflage keys to interpretation that only a sharp and informed eye can decode. For the artist, this fresco deals with the relationship between Man and Nature that is ubiquitous in the battle known as Lumeçon.<br>In addition to this essential relationship between Savage and Civilized in the Ducasse, another important theme is implied through this fresco: the lineage that has handed this myth down for generations and generations.<br>The children's Doudou festival, which is held one week after that of the adults, has over the years become an essential and determining key moment for this living heritage that has been adapted to our temporary society.<br>Also known as the Savages, the Leaf Men support and guard the dragon's tail. There are eight of them. They literally pull the dragon's tail out of the audience with each stroke. They are dressed in green jackets and pants covered with leaves of ivy, about 1500 to 2000 in number.<br>They are sewn by hand with black thread in the days leading up to the Ducasse. The Leaf Men and Children wear a long conical hat that falls back behind his head, and is covered with leaves too. The Leaf Men's shirt is red like the lapels of their jacket and their tie is yellow. Their green clubs with red spots complete their outfits to give them the strength and power of Nature, which diminish as the Battle rages.&nbsp; As they are gradually stripped, the jackets reveal an original drawing of a club on a leaf, on the chest pocket and on the back.&nbsp;</div>

Les Hommes et enfants de feuilles du Combat dit Lumeçon

Jana & JS

<div>Beaucoup d’artistes urbains travaillent sous la forme d’un Collectif, c’est notamment le cas ici avec Jana &amp; Js qui peignent ensemble depuis 2006. Ensemble, ils créent des peintures murales polychromées de tailles très variées. Ils utilisent la technique du pochoir (développée auprès d’artiste-ouvrier au sein du collectif wca), reposant exclusivement sur leur travail photographique. Leurs sources principales d’inspiration sont les villes et leurs habitants. On retrouve d’ailleurs dans leurs peintures des éléments architecturaux ou des paysages urbains qui viennent se mêler à un portrait. Ils se concentrent désormais sur la nostalgie, la mélancolie. Après avoir passé un certain temps à Madrid, en Espagne, où ils se sont rencontrés et avoir vécu quelques années à Paris, Jana &amp; Js sont maintenant installés à Salzbourg en Autriche. Ils débutent leur carrière en intervenant dans des espaces inattendus, en imprimant des pochoirs sur les infrastructures publiques, le plus souvent sur des espaces en construction ou démantelés, comme les voies ferrées, les vieux bâtiments, les poteaux, les morceaux de béton, les vieux camions, les piles de bois… Ils se laissent sans cesse inspirer par les endroits où ils interviennent, tachant de déchiffrer la signification sociale des paysages urbains. Mais ce qui est le plus frappant dans leurs oeuvres, ce ne sont pas tant les panoramas eux-mêmes que les gens qu’ils représentent avec leur malaise existentiel. Ils ont une façon unique de relier les gens, leurs émotions, leurs désirs et leurs préoccupations à leur environnement direct. Autrement dit, les interventions urbaines qu’ils réalisent fusionnent, provoquant des réflexions et engageant les spectateurs dans un dialogue artistique.<br>&nbsp;L’une des particularités de Mons est d’avoir conservé un patrimoine immobilier important datant du 18èmeet 19ème siècle. Si nous prenons le temps d’observer les façades de Mons en intramuros, nous constatons rapidement qu’un nombre important de ces anciennes demeures présentent la particularité de façade avec des fenêtres murées, plus précisément de fausses fenêtres. Cet élément typique de l’architecture que l’on retrouve également abondement en France, à Paris notamment, est apparu à la fin du 18ème siècle suite à un impôt promulgué sous l’occupation française entre 1795-1815. Mise en place par le Directoire en 1798, précisément, la taxe s’applique sur les portes et les fenêtres donnant sur les rues, cours ou jardins des bâtiments et usines, sur tout le territoire de la République. La taxe porte donc sur le nombre de portes et de fenêtres que compte l’habitation. Les habitants n’ont donc pas attendu bien longtemps avant de condamner, tout bonnement, certaines de leurs fenêtres. Les montois n’ont pas fait exception. Beaucoup d’artistes de rue ont saisi cette particularité urbaine pour en faire le sujet de leur intervention, c’est le cas ici avec Jana&amp;Js. La fenêtre chez ce duos d’artistes est en effet un élément essentiel dans leur démarche artistique. Ce qui est particulier ici, c’est que nous ne cernons pas bien où commence ni où se termine la fresque, tant un jeu narratif subtil s’installe entre l’architecture, l’espace urbain et le sujet-même de l’oeuvre. Il faut dès lors considérer l’ensemble de la façade comment faisant partie intégrante d’un dispositif surréaliste que les artistes installent, en floutant cette frontière naturelle entre le monde réel et le monde imaginaire ; nousmêmes sommes partie-prenante de cette fresque installée sur le coin d’une rue, au premier étage d’une ancienne demeure de Mons - Ville berceau du surréalisme belge, au demeurant. En effet, la composition de l’image bouleverse le sens de l’interprétation : la vue de la façade de l’Hôtel de Ville, situé à quelques centaines de mètres, apparaît à l’intérieure de la maison, à échelle grandeur nature. La fenêtre a ici cessé de séparer l’intérieur de l’extérieur. De plus, les deux personnages en avant plans participent à ce même trouble entre rêve et réalité ; habillés comme vous et moi, nous les surprenons de la rue, au sein de leur intérieur, dans une attitude mélancolique et rêveuse… L’esthétique picturale n’est pas l’essentielle ; ici, nous ressentons bien que l’important est ailleurs, dans l’imaginaire… « La fenêtre est un élément essentiel de notre travail, nous expliquent les artistes, ouverture sur le monde ou ouverture sur un monde imaginaire, onirique, intime ou les deux à la fois ? C’est cette double ouverture que nous mettons en scène ici. Dans un jeu surréaliste où l’on voit l’extérieur et l’intérieur à la fois, ces deux fenêtres nous projettent dans la ville, (celle de Mons en l’occurrence), mais aussi dans l’intimité de ces deux personnages».&nbsp;<br>&nbsp;<br>Vele stedelijke kunstenaars werken in een collectief. Dat is ook het geval hier met Jana &amp; Js die sinds 2006 samen schilderen. Ze creëren samen veelkleurige muurschilderingen van verschillende groottes. Hierbij gebruiken ze de techniek van het sjabloon (ontwikkeld bij kunstenaars-werkers binnen het collectief wca) dat enkel op hun fotografisch werk steunt. Hun belangrijkste inspiratiebronnen zijn steden en hun inwoners. We vinden trouwens in hun schilderijen architecturale elementen of stedelijke landschappen terug die hun plaats innemen naast het portret. Ze concentreren zich van nu af aan op de nostalgie, de melancholie. Jana &amp; Js hebben eerst een tijdje in Madrid (Spanje) gewoond, waar ze elkaar hebben leren kennen. Daarna volgden enkele jaren in Parijs. Momenteel wonen ze in Salzburg in Oostenrijk. Ze zijn hun carrière begonnen door onverwachte ruimtes in te nemen en sjablonen aan te brengen op openbare infrastructuur, meestal in ruimtes in opbouw of afgebroken ruimtes zoals spoorwegen, oude gebouwen, palen, stukken beton, oude vrachtwagens, stapels hout.... Ze worden onophoudelijk geïnspireerd door de plaatsen waar ze actief zijn, waarbij ze de sociale betekenis van de stedelijke landschappen proberen te ontcijferen. Wat echter het meeste opvalt in hun werk is niet zozeer de panorama’s zelf, maar de mensen die ze afbeelden met hun existentieel onbehagen. Ze hebben een unieke manier om mensen, hun emoties, verlangens en bekommernissen te verbinden met hun directe omgeving. Hun stedelijke acties brengen met andere woorden samen, lokken reflectie uit en betrekken de toeschouwers bij een artistieke dialoog.<br>&nbsp;Typisch voor Mons is dat een aanzienlijk onroerend erfgoed uit de 18de en 19de eeuw bewaard is gebleven. Wanneer we de tijd nemen om de gevels in het centrum van Mons te bekijken, valt het al snel op dat veel oude gebouwen een opmerkelijk kenmerk vertonen, namelijk gevels met dichtgemetselde ramen, of valse ramen om precies te zijn. Dit typische architecturale element, dat we eveneens vaak terugvinden in Frankrijk en vooral in Parijs, verscheen aan het einde van de 18de eeuw als gevolg van een belasting die onder de Franse bezetting tussen 1795 en 1815 uitgevaardigd werd. De belasting werd opgelegd door het Directoire in 1798. Ze is van toepassing op ramen en deuren die op de straat, binnenplaatsen of tuinen van gebouwen en fabrieken uitgeven op het hele grondgebied van de Republiek. Het is dus een belasting op het aantal ramen en deuren van een woning. De inwoners hebben dan ook al snel beslist een aantal ramen op te geven. De inwoners van Mons waren hierbij geen uitzondering. Veel straatkunstenaars benutten dit speciale stedelijke kenmerk. Dat is ook het geval hier voor Jana &amp; Js. Het raam is voor dit kunstenaarsduo een essentieel element in hun artistieke benadering. Wat hier speciaal is, is dat het niet zo duidelijk is waar de muurschildering precies begint of eindigt. Er vindt een subtiel narratief spel plaats tussen architectuur, stedelijke ruimte en het onderwerp zelf van het werk. De volledige gevel moet dus opgevat worden als een integraal deel van een surrealistisch mechanisme dat door de kunstenaars gebruikt wordt. De natuurlijke grens tussen de werkelijke wereld en de wereld van de verbeelding vervaagt hierdoor; wij worden op deze manier betrokken bij deze muurschildering. Ze bevindt zich op de hoek van een straat op de eerste verdieping van een oude woning in Mons, dat trouwens de geboortestad van het Belgische surrealisme is. De samenstelling van het beeld verandert de zin van de interpretatie: het zicht op de gevel van het stadhuis, dat zich een paar honderd meter verder bevindt, is levensgroot zichtbaar binnen in het huis. De raam scheidt hier niet langer de binnenkant van de buitenkant. Bovendien maken de twee personages op het voorplan deel uit van dezelfde vervaging tussen droom en realiteit; ze zijn gekleed zoals u en ik, wij verrassen hen in de straat, binnen in hun interieur, in een melancholieke en dromerige houding... De picturale esthetica is niet de essentie. Wij voelen hier wel aan dat wat werkelijk van belang is zich elders bevindt, in de wereld van de verbeelding. “Het raam is een essentieel element van ons werk,” leggen de kunstenaars uit. “Is het een opening op de buitenwereld, of een opening op de wereld van de verbeelding, van de droom, de intimiteit, of misschien beiden? Het is die dubbele opening die wij hier vormgeven. In een surrealistisch spel waar we nu eens de buitenwereld dan weer de binnenwereld zien, plaatsen deze twee ramen ons in de stad (Mons, in dit geval) maar ook in de innerlijke wereld van deze twee personages.”&nbsp;<br><br>Many urban artists work in the form of a Collective.&nbsp; This is particularly the case here with Jana &amp; Js who have been painting together since 2006. Together, they create polychrome murals of highly varied sizes. They use the stencil technique (developed among artist-workers within the wca collective), based exclusively on their photographic work. Their main sources of inspiration are cities and their inhabitants. Their paintings moreover include architectural elements or urban landscapes that blend into a portrait. They henceforth focus on nostalgia and melancholy. Having spent some time in Madrid, Spain, where they met, and having lived for a few years in Paris, Jana &amp; Js are now settled in Salzburg, Austria. They embarked on their career by putting their imprint in unexpected spaces, printing stencils on public infrastructures, most often on spaces that are under construction or have been dismantled, such as railroad tracks, old buildings, poles, pieces of concrete, old trucks, piles of wood... They are constantly inspired by the places where they work, trying to decipher the social meaning of urban landscapes. The most striking aspect in their works, however,&nbsp; is not so much the panoramas themselves, as the people they represent with their existential malaise. They have a singular way of relating to people, their emotions, desires and concerns about their immediate environment. In other words, the urban interventions they create merge, provoking reflection and engaging viewers in an artistic dialogue.<br>&nbsp;One of the particular traits of Mons is that it has preserved a significant architectural&nbsp; heritage from the 18th and 19th century. If we take the time to observe the facades of Mons within the walls, we quickly notice that a significant number of these old houses boast peculiar facades with walled windows&nbsp; -- false windows to be more precise. This typical architectural element, which can also be found in abundance in France, particularly in Paris, appeared at the end of the 18th century following a tax enacted during the French occupation (1795-1815). Introduced by the Directory in 1798, precisely, the tax applies to doors and windows overlooking the streets, courtyards or gardens of buildings and factories, throughout the territory of the French Republic. The tax thus pertains to the number of doors and windows in a dwelling. The inhabitants did not wait long before they simply walled up some of their windows. The people of Mons were no exception. Many street artists have seized the opportunity to make this urban peculiarity to backdrop of their work, as is the case here with Jana&amp;Js. The window is an essential element in the artistic approach of this artistic duo, in fact. The particular feature here is that we do not really know where the fresco begins or ends, to the extent that a subtle narrative game emerges between the architecture, the urban space and the subject of the work itself. We must therefore consider the entire façade as an integral part of a surrealist device that the artists install, where this natural boundary between the real and imaginary worlds is blurred. We ourselves are part of this fresco installed on a street corner, on the first floor of a former dwelling in Mons - the cradle of Belgian surrealism, incidentally. The composition of the image disrupts the sense of interpretation: the view of the façade of the Town Hall, located a few hundred meters away, appears inside the house, on a life-size scale. The window has here ceased to separate the interior from the exterior. Moreover, the two figures in the foreground contribute to this same confusion between dream and reality. Dressed like you and me, we surprise them from the street, within their interior, in a dreamy, melancholic attitude... The pictorial aesthetics is the essence; here, we&nbsp; realize that what’s important lies elsewhere -- in the imagination... &nbsp; “The window is an essential element of our work,”&nbsp; the artists explain.&nbsp; “Is it an opening onto the physical world or opening to an imaginary, dreamlike, and intimate world, or both at the same time? It is this double opening that we are staging here. In a surrealist game where we see the outside and the inside at the same time. These two windows project us into the city (Mons in this case), but also into the intimacy of these two characters."&nbsp;</div>

Le couple de la rue verte

HELL'O

<div>Hell’O est un duo d’artistes belges, Jérôme Meynen et Antoine Detaille. Issu de l’univers du graff, ils ont laissé derrière eux lettrage et bombes aérosols pour le papier, la peinture, le dessin à l’encre et l’installation. Ensemble, les deux artistes évoluent au sein d’un univers graphique riche et intriguant, qui se développe sans cesse, multipliant les références. Animaux étranges, petits personnages et créatures asexuées rappellent le monde fanstastique des fables et des contes de fée. Leurs compositions évoquent également un univers surréaliste et onirique, mystérieux et inquiétant, à travers des thématiques comme la cruauté, l’optimisme, l’échec, l’espoir et la mort. Les oeuvres de ce duo d’artistes ont fait l’objet de près d’une vingtaine d’expositions individuelles dont une en 2018 au BAM (Beaux-Arts Mons) et d’une trentaine d’expositions collectives, en Espagne, en Belgique, aux Etats-Unis, en France ou encore en Chine, entre autres. Ce collectif d’artistes d’origine montoise se considère d’abord et avant tout comme des muralistes qui s’emparent d’un mur comme d’une toile. Plus précisément, leur démarche artistique se situe à la lisière d’une expression de la rue et d’une extension des cimaises du musée ; ce qui fonde toute leur originalité. Incontestablement, nous sommes ici face à un travail optimiste et positif, d’où émane quelque chose d’extrêmement apaisant et introspectif, ressenti face à cette fresque pourtant fragmentée en 16 carrés rigoureusement identiques, sans aucun sens de lecture imposé : « Le mur et ses seize supports indépendants les uns des autres sont travaillés, expliquent les deux artistes, de manière à faire voyager le spectateur dans le temps et les différents styles : figuration, abstraction, références au temps, modernisme, classicisme..». Face à cette architecture de parking, ils respectent totalement la diversité des plans et des matériaux. Ils viennent juste souligner un rythme de carré dans la façade qu’ils investissent de 16 plans colorés, tout en finesse et en harmonie avec l’architecture. L’unité des 16 fresques s’exprime d’une part dans le chromatisme des tons pastels harmonieux, synthétiques ; et d’autre part, dans la technique à la fois fragile, légère et graphique du dessin. Il est néanmoins intéressant de constater des particularités dans la manière de styliser les personnages, par exemple, comme le corps asexué qui s’étire sans aucun volume ; parfois, les personnages se limitent à une tête ou à deux jambes qui s’allongent en forme de lacet. Dans d’autres carrés plus abstraits, ce sont les lignes de fuite qui s’évaporent dans l’espace sans jamais affirmer un arrière-plan par rapport à un avant-plan ; les aplats en harmonie de couleur confirment la dimension murale. Enfin, dans cette composition à 16 panneaux, seuls deux d’entre-deux sont identiques et rassemblés l’un à côté de l’autre comme pour former, nous semble-t-il, un regard fixe de deux yeux stylisés placés au milieu de l’architecture. L’oeil est un élément graphique essentiel dans leur travail qui a acquis au fil des années une place centrale dans la plupart de leurs travaux. Cette fresque montoise ne fait pas exception. L’oeil, selon eux, est la représentation du vivant dans sa plus simple expression qui se suffit à lui-même pas besoin d’un corps ou d’une tête, seul l’oeil existe. La temporalité, quant-à-elle, se fluidifie ici dans ces formes organiques semi-figuratives qui s’étirent et s’organisent sur les surfaces sans rupture, sans force, ni tension ; juste une extension visuelle qui s’affirme sur la planéité de la surface, refusant tout effet illusionniste de profondeur ou de rendu mimétique de la réalité, proposant plutôt au regard un repos méditatif intemporel.&nbsp;<br><br>&nbsp;Hell’O is het Belgische kunstenaarsduo Jérôme Meynen en Antoine Detaille. Beiden komen uit de wereld van de graffiti en hebben opschriften en spuitbussen achter zich gelaten. In plaats daarvan kozen ze voor papier, schilderkunst, inkttekeningen en installaties. Samen hebben deze twee kunstenaars een hele ontwikkeling doorgemaakt in een rijk en intrigerend grafisch universum. Deze ontwikkeling gaat nog steeds onophoudelijk verder, en het aantal referenties neemt snel toe. Vreemde dieren, kleine personages en aseksuele wezens verwijzen naar de fantastische wereld van fabels en sprookjes. Hun werk roept ook een surrealistisch en dromerig, mysterieus en verontrustend universum op via thema's zoals wreedheid, optimisme, falen, hoop en de dood. De werken van dit kunstenaarsduo werden al zo'n twintig keer individueel tentoongesteld, zoals in 2018 in het BAM ( Beaux-Arts Mons [Museum van Schone Kunsten van Mons]). Daarnaast werden ze opgenomen in een dertigtal groepstentoonstellingen in onder andere Spanje, België, de Verenigde Staten, Frankrijk en China. Deze twee uit Mons afkomstige kunstenaars beschouwen zichzelf vooral als muralisten, die de muur behandelen als een doek. Meer specifiek bevindt hun artistieke benadering zich op de grens tussen een uitdrukking van de straat en een uitbreiding van de muren van musea. Dat is de basis van hun originaliteit. Wij staan hier ontegensprekelijk oog in oog met een optimistisch en positief werk, dat een bijzonder kalmerende en introspectieve invloed heeft. Nochtans bestaat deze muurschildering uit 16 gefragmenteerde vierkanten die precies even groot zijn en zonder enig aanduiding van de leesrichting: “De muur en de 16 van elkaar onafhankelijke dragers zijn zodanig uitgewerkt dat de toeschouwer een reis doorheen de tijd en verschillende stijlen maakt: figuratie, abstractie, verwijzingen naar de tijd, modernisme, classicisme...” leggen de twee kunstenaars uit. Tegen de achtergrond van de parkingarchitectuur tonen ze een absoluut respect voor de verscheidenheid aan vlakken en materialen. Ze benadrukken enkel een ritme van vierkanten in de gevel waarop ze 16 gekleurde vlakken aanbrengen in een harmonische en subtiele relatie met de architectuur. De eenheid van de 16 muurschilderingen wordt enerzijds uitgedrukt in de chromatiek van de harmonieuze en synthetiserende pasteltinten, en anderzijds in de kwetsbare, lichte en grafische techniek van de tekeningen. Het is echter ook interessant om de speciale manier waarop de personages gestileerd worden van dichterbij te bekijken, zoals bijvoorbeeld het aseksuele lichaam dat zich uitstrekt zonder enig volume; soms zijn de personages enkel een hoofd of twee benen die uitgetrokken worden in de vorm van een veter. In meer abstracte vierkanten glippen de vluchtpunten weg in de ruimte zonder dat er ooit een achtergrond in verhouding tot een voorgrond tot uitdrukking komt; de grote kleurvlakken met harmonieuze kleuren bevestigen de vlakke dimensie van de muur. In deze compositie met 16 panelen zijn er slechts twee identiek. Zij bevinden zich naast elkaar als de gefixeerde blik van twee gestileerde ogen die zich in het midden van de architectuur bevinden. Het oog is een essentieel grafisch element in het werk van de kunstenaars. Het heeft door de jaren heen een centrale plaats komen in te nemen in de meeste van hun werken. Deze muurschildering in Mons is daar geen uitzondering op. Het oog is volgens het kunstenaarsduo een voorstelling van al wat leeft in de eenvoudigste uitdrukking die op zichzelf voldoende is en geen lichaam of hoofd nodig heeft. Enkel het oog bestaat. De tijdelijkheid wordt vloeibaar in deze organische en semi-figuratieve vormen die zich uitstrekken en verspreiden over oppervlakten zonder onderbreking, zonder kracht, zonder spanning; er is enkel een visuele uitbreiding die tot uitdrukking komt in de vlakheid van de oppervlakte en die elk illusoir effect van diepte of van een mimetische weergave van de werkelijkheid afwijst. In de plaats daarvan komt een tijdeloze, meditatieve rust.&nbsp;<br><br>Hell'O is the name of a duo of Belgian artists, Jérôme Meynen and Antoine Detaille. Stemming from the world of graffiti, they have left behind lettering and spray cans for paper, paint, ink drawing and installation. Together, the two artists are progressing within a rich and intriguing graphic universe, which is constantly developing, multiplying references. Strange animals, small characters and asexual creatures harken back to the fantastic world of fables and fairy tales. Their compositions also evoke a surreal and dreamlike world, mysterious and disturbing, through themes such as cruelty, optimism, failure, hope and death. The works of this duo of artists have been featured in some&nbsp; twenty solo exhibitions, including one in 2018 at the BAM (Beaux-Arts Mons [Mons Fine Arts]) and some thirty group exhibitions, in Spain, Belgium, the United States, France and China, among others. Originally from Mons, these two artists consider&nbsp; themselves first and foremost as muralists who take over a wall like a painting. Their artistic approach is situated on the edge of street expression and an extension of the museum's picture rails, to be more precise, which constitutes the premise of their originality. We are without question before an optimistic and positive work that exudes something extremely soothing and introspective, which is felt in front of this fresco, yet fragmented into 16 rigorously identical squares, without any imposed sense of reading: "The wall and its sixteen supports, which are independent of each other, are worked in such a way as to make the spectator travel through time and the different styles: figuration, abstraction, references to time, modernism, classicism…” the two artists explain. Faced with this car park architecture, they respect the diversity of plans and materials to the full. They just underline a square rhythm in the facade which they invest with 16 colourful plans – all with finesse and in harmony with the architecture. The unity of the 16 frescoes is expressed through the colouration of harmonious, synthetic pastel hues on the one hand; and in the fragile, light and graphic technique of the drawing on the other. It is nonetheless interesting to note peculiarities in the way the figures are stylized, such as the asexual body that stretches without any volume. The figures are at times limited to a head or two legs that lengthen in the shape of a lace. In other, more abstract squares, it is the vanishing lines that evaporate into space without ever asserting a background in relation to a foreground. In colour harmony, the flat areas confirm the wall dimension. Finally, in this 16-panel composition, only two of the intervals are identical and are grouped together next to each other as if to form, it would seem, a fixed gaze of two stylized eyes placed in the middle of the architecture. The eye is an essential graphic element which has acquired a central place in most of their work over the years. This fresco from Mons is no exception. They see the eye as the representation of life in its simplest expression which is self-sufficient with no need for a body or a head -- only the eye exists. For its part, temporality becomes fluid in these semi-figurative organic forms that stretch and are arranged on the surfaces without interruption, without force or tension -- just a visual extension that asserts itself on the flatness of the surface, refusing any illusionist effect of depth or any mimetic rendering of reality, proposing instead a timeless meditative repose for the gaze.<br>&nbsp; &nbsp;</div>

Hell'o

Atelier Pica Pica

<div>&nbsp;Lieu de l'oeuvre : Passage Victor Hugo<br>&nbsp;<br>Atelier Pica Pica est un collectif multidisciplinaire composé de Boris Magotteaux, Manuel Falcata, Jérome Degive, vivant et travaillant à Liège. Le collectif a réalisé une mosaïque émaillée, passage Victor Hugo, représentant des silhouettes extraites de l’univers urbain montois. Ensemble, les profils énigmatiques forment un portrait impressionniste de la cité. L’œuvre est une invitation à deviner ou à chercher l’objet de ces ombres dans la ville elle-même.&nbsp;<br><br>Atelier Pica Pica is het multidisciplinair collectief van Boris Magotteaux, Manuel Falcata en Jérome Degive. Ze wonen en werken in Luik. Het collectief heeft een geëmailleerd mozaïek gemaakt in de doorgang Victor Hugo met silhouetten uit het stedelijke universum van Mons. Samen vormen deze enigmatische profielen een impressionistisch portret van de stad. Het werk is een uitnodiging om te raden of proberen te achterhalen welke mensen uit de stad deze schaduwen weergeven.<br><br>Atelier Pica Pica is a multidisciplinary collective composed of Boris Magotteaux, Manuel Falcata, and Jérome Degive who live and work in Liège. The collective has created an enamelled mosaic, in the Passage Victor Hugo, representing silhouettes taken from the urban universe of Mons. Together, the enigmatic profiles form an impressionist portrait of the city. The work is an invitation to guess or search for the object of these shadows in the city itself.&nbsp;<br>&nbsp; &nbsp;</div>

Panorama

<div><em>Hell’O</em> est un duo d’artistes belges, Jérôme Meynen et Antoine Detaille. Issu de l’univers du graff, ils ont laissé derrière eux lettrage et bombes aérosols pour le papier, la peinture, le dessin à l’encre, et l’installation. Détournant les symboles de nos traditions mystico-ésotériques, les confiant aux héros des cartoons et BD, les graffitant dans nos rues et les virtualisant sur le web, le collectif belge <em>Hell’O </em>nous jette un sort. Un regard ironique sur nos us et coutumes d’humanoïdes civilisés qui prend corps dans leur fresque vivante et illuminée sur le thème du « Doudou».<br><br>Hell’O is het Belgische kunstenaarsduo Jérôme Meynen en Antoine Detaille. Beiden komen uit de wereld van de graffiti en hebben opschriften en spuitbussen achter zich gelaten. In plaats daarvan kozen ze voor papier, schilderkunst, inkttekeningen en installaties. Het Belgische collectief Hell’O Monsters betovert ons door de symbolen van onze mystieke-esoterische tradities om te draaien, ze toe te vertrouwen aan helden uit tekenfilms en stripverhalen, en ze te laten opduiken als graffiti in onze straten en in virtuele vorm op het internet. Een ironische kijk op onze gewoontes en gebruiken als beschaafde mensachtigen die vorm aanneemt in hun levendige en verlichte muurschildering op het thema van de “Doudou.”&nbsp;<br><br>Hell'O is a duo of Belgian artists, Jérôme Meynen and Antoine Detaille. Coming from the world of graffiti, they left behind lettering and spray cans for paper, paint, ink drawing and installation. The Belgian Collective Hell’O Monsters casts a spell on us by appropriating the symbols of our mystic-esoteric traditions, conferring them to the heroes of cartoons and comics, using them in graffiti in our streets and virtualizing them on the web. An ironic look at our habits and customs as civilized humanoids takes shape in their living and illuminated fresco on the theme of the "Doudou" festival.&nbsp;</div>

Folks

Laurence Vray

<div>Photographe, Laurence Vray allie une sensibilité «intime» - car loin des éclats de la mode. Elle procède, avec autant de rigueur que de retenue, à dévoiler une intimité possible avec le monde. La légèreté de son regard est grave et la gravité de ses vues est légère. Ainsi, par un paradoxe dont elle a longuement construit le secret, elle compose avec une assidue simplicité : une oeuvre pour la paix. Artiste montoise, Laurence capture l'intime et la légèreté et nous le transmet. Elle travaille sur la thématique de l'eau et des eaux-mères. Véritable baignade silencieuse, cette série nous offre une parenthèse solitaire explorant les résonances de l'eau, ses cours et ses flux. La photographe joue sur les oppositions entre présence et absence, solitude et compagnie, féminité et masculinité, fragilité et inaltérabilité de cet élément originel. Le focus est aussi mis sur les eaux-mères, où le temps n'est pas encore linéaire, où la lumière joue encore de ses ombres entre les parois utérines, où la vie est en pure relation amoureuse...&nbsp;<br><br>Fotografe Laurence Vray&nbsp; bundelt een “intieme” gevoeligheid - ver van de modetrends. Met even grote nauwkeurigheid als terughoudendheid slaagt ze erin een intimiteit te onthullen ten opzichte van de wereld. Haar blik getuigt van een ernstige lichtheid, terwijl haar zicht een lichte ernst bevat. Een paradox die het resultaat is van een traag groeiend geheim en die uitmondt in een werk van grote eenvoud: een vredeswerk. De Bergense kunstenares slaagt erin het intieme en de lichtheid te bevatten en over te brengen. De eerste fotoreeksen van Laurence Vray zijn gewijd aan “fotoreportages” die ze maakte tijdens haar verblijf in Marokko, India, Cuba of Nepal. De plaatselijke inwoners, hun ambachten, godsdiensten, ... staan centraal in deze sublimatie. Haar geboortestreek blijft echter een grote rol spelen,&nbsp; waarvan getuige de reeks La Glace Passe uit 2002. Deze zwart-wit-foto's, genomen volgens de meest zuivere streetphotography-traditie, vormen een eerbetoon aan de voor de kunstenares zo belangrijke streek.<br><br>Photographer, Laurence Vray brings an “intimate” sensitivity - far from the gloss of fashion. She proceeds, with as much rigour as restraint, to reveal a possible intimacy with the world. The lightness of her view is serious and the seriousness of her views is light. So, through a paradox which she took pains to keep secret, she composed with diligent simplicity: a work of art for peace. Laurence, an artist from Mons, captures intimacy and lightness and conveys it to us. Laurence Vray dedicated her first photographic series to “photographic reporting” during her trips to Morocco, India, Cuba and Nepal. The inhabitants of these regions, their artisans, their clerics... become the actors of this sublimation. Not forgetting her country and her native region, she created the series La Glace Passe in 2002. These black and white photographs, in the purest tradition of street photography, are a tribute to a region that is particularly dear to the artist. More than a simple capture of reality, the photographer embarks on a reflection on the world around her by using photography to put her ideas on paper. She also reflects on the notion of “time”.&nbsp;</div>

Instant suspendu

<div>En collaboration avec les voisins, BlancBec a donné une nouvelle vie à ce mur où animaux et plantes imaginaires se côtoient. Après avoir passé dix ans au sein du mouvement graffiti sous le pseudo VEKS, début 2000, Blancbec oriente son travail vers de nouvelles démarches. Il développe alors ses premières toiles meublées d'écritures géométriques d'inspiration graffiti. À Barcelone en 2002, il découvre le travail d'affiches peintes à la main et collées, une révélation. Cette technique l'attire car il peut allier un travail d'atelier et une activité urbaine. Il l'adopte ! Les écritures géométriques de départ se transforment progressivement en personnages. Apparaît alors l'oiseau. Provisoirement, les toiles sont mises de côté pour laisser place au papier. Début 2003, les premières affiches de l'oiseau apparaissent sur les murs de la ville. Ce sont les premières de ce genre à Bruxelles. L'oiseau et l'artiste se feront appeler "Blancbec" choisi pour le côté sans expérience de l'artiste et l'aspect certain de son oiseau. Sa construction géométrique propre et sa gamme chromatique vive créent son style reconnaissable entre tous. Depuis d'audacieux protagonistes ont intégré son univers qu'il représente encore via de nouveaux supports et techniques. L'artiste Blancbec est régulièrement exposé et ses travaux apparaissent toujours dans le paysage urbain.&nbsp;<br><br>Samen met de omwonenden schenkt Blancbec deze muur een nieuw leven, waar denkbeeldige dieren en planten elkaar kruisen. Nadat Blancbec tien jaar lang onder het pseudoniem VEKS deel uitmaakte van de graffitibeweging, slaat hij begin 2000 nieuwe paden in. Dat jaar ontwikkelt hij zijn eerste doeken met geometrische opschriften, geïnspireerd op de graffitikunst. In 2002 staat hij versteld van de handgeschilderde en beplakte affiches die hij in Barcelona aantreft. Een techniek die hem enorm aanspreekt en die hem toelaat om zijn atelier en de stad met elkaar te verweven. Hij besluit om ermee aan de slag te gaan! Geleidelijk aan groeien zijn initiële geometrische geschriften uit tot personages. Op een bepaald moment verschijnt het figuur van de vogel. Hij laat zijn doeken tijdelijk voor wat ze zijn en maakt plaats voor papier. Begin 2003 verschijnen zijn eerste affiches van vogels op de Brusselse muren, de eerste van hun soort in de stad. De vogel en de kunstenaar gaan vanaf dan als “BlancBec” door het leven, een naam die verwijst naar het gebrek aan ervaring van de kunstenaar en naar de duidelijke rol van de vogel. Zijn heldere geometrische constructie en levendige chromatische gamma leiden tot een duidelijk identificeerbare stijl. Sindsdien is zijn leefwereld verrijkt met verschillende moedige protagonisten, die hij vervolgens via nieuwe ondergronden en technieken uitbeeldt. De kunstenaar Blancbec wordt regelmatig tentoongesteld en zijn werken duiken nog steeds op in steden.&nbsp;<br><br>Working with his neighbours, BlancBec gives new life to this wall where imaginary animals and plants cross paths.<br>After spending 10 years in the graffiti movement under the pseudonym VEKS, at the start of 2000, Blancbec took a new approach to his work.<br>He developed his first paintings, furnished with geometric writings inspired by graffiti. In Barcelona in 2002, he discovered the work of posters painted by hand and glued, a revelation. This technique attracted him because he could combine workshop activity with an urban activity. He embraced it! The geometric writings of the beginning gradually became characters. Then the bird appeared. Provisionally, the canvases were put aside to make place for paper. At the beginning of 2003, the first bird posters appeared on the walls of the city; they were the first of their kind in Brussels. The bird and the artist call themselves "Blancbec" chosen for the lack of experience of the artist and the self-assurance of his bird. His own geometric construction and his vibrant chromatic range created a style that was instantly recognisable. Since then, some audacious protagonists have integrated his universe that he still represents through new supports and techniques. The artist Blancbec exhibits regularly and his works always appear in an urban setting.&nbsp;</div>

Le Monstrueux

HONET

<div>Honet commence le graffiti à Paris, en 1988. Cette forme d’expression lui apparait comme quelque chose de totalement novateur, comme le miroir de notre époque. Il fait de cette pratique son mode de vie, et plongealors, corps et âme, dans cette odyssée artistique qui l’a toujours tenu éloigné d’un métier classique. Honet aime explorer la ville, en particulier les bunkers de la Seconde Guerre mondiale et les catacombes de Paris.<br>Il se met à la recherche d’endroits cachés et chargés d’histoires, où les gens ne peuvent pas aller. Pour Honet, le graffiti et l’exploration ont en commun le goût de l’aventure et de la découverte de sa propre ville. Un univers graphique qui se compose, entre autres, de lampes frontales, d’escaliers, de trappes ou encore de clés comme s’il était à la recherche de mondes souterrains, invisibles. “Je vais là où mes angoisses<br>m’attirent, dit-il. J’aime explorer des endroits sombres, chaotiques, détruits et violents. La peinture est un moyen de les dompter, de me les approprier.” Fervent voyageur, Honet parcourt le monde pour s’amuser, découvrir, peindre et également pour exposer ses travaux récents. Depuis plus de 25 ans, il laisse ainsi sa trace en Europe mais aussi à Moscou, Pékin ou Tokyo. Par ailleurs, il collabore régulièrement avec des marques comme Prada, Lacoste, Ruby ou Louis Vuitton qui donnent de l’importance à la symbolique de ses dessins et à leurs lignes épurées.<br><br>L’intervention picturale concerne l’ensemble des fenêtres du bâtiment. Honet a ici interprété dans un style graphique qui lui est propre le miracle des Brasseurs de sainte Waudru. Tous les ingrédients du récit sont présents : les quatre brasseurs enchaînés dans leur prison obscure, la garde habillée en jaune et noire aux couleurs du chapitre de sainte Waudru et bien sûr, monumentale et magistrale, sainte Waudru<br>elle-même accomplissant le miracle de la délivrance en brisant les chaînes des prisonniers. Au cours de la Procession du Car d’Or le dimanche de la Ducasse rituelle, le carrefour de la rue des Soeurs grises et de la rue des Capucins est l’emplacement choisi pour<br>la lecture de l’un des 5 Miracles de sainte Waudru :<br>Au seizième siècle, quatre brasseurs accusés d’un crime capital sans que les preuves n’en fussentformellement établies, parvinrent à échapper de leur prison et, au lieu de s’enfuir, chargés de chaînes se présentèrent devant l’autel de sainte Waudru qui, de son vivant, avait consacré tant de ses efforts et de ses biens à la délivrance des prisonniers. Les quatre brasseurs supplièrent donc sainte Waudru,<br>implorant qu’elle les libère. On vit alors les chaînesse briser et tomber à terre. Sainte Waudru avait ainsi fait reconnaître leur innocence.<br><br>Honet begon met graffiti in Parijs in 1988. Deze uitdrukkingsvorm was voor hem iets totaal vernieuwends, als de spiegel van onze tijd. Deze praktijk wordt zijn manier van leven. Hij duikt met hart en ziel in deze artistieke reis waardoor hij nooit een traditioneel beroep uitgeoefend heeft. Honet houdt ervan de stad te ontdekken, vooral de bunkers van de Tweede Wereldoorlog en de catacomben van Parijs. Hij zoekt naar verborgen plaatsen beladen met geschiedenis waar mensen niet kunnen komen. Voor Honet hebben graffiti en verkenning iets gemeen, namelijk de zin voor avontuur en de ontdekking van zijn eigen stad. Het is een grafisch universum dat onder andere bestaat uit koplampen, trappen, luiken of sleutels, alsof hij op zoek is naar ondergrondse onzichtbare werelden. “Ik ga naar plaatsen waartoe mijn angsten mij aantrekken,” zegt hij. “Ik verken graag sombere, chaotische, vernielde en gewelddadige plaatsen. De schilderkunst is een manier om ze te beteugelen, om ze me toe te eigenen.” Honet is een fervent reiziger en doorkruist de wereld om zich te vermaken, om te ontdekken, te schilderen en zijn recent werk tentoon te stellen. Hij laat op die manier sinds meer dan 25 jaar sporen na in Europa maar ook in Moskou, Peking of Tokyo. Hij werkt trouwens regelmatig samen met merken zoals Prada, Lacoste, Ruby of Louis Vuitton die betekenis geven aan de symbolische dimensie van zijn tekeningen met hun zuivere lijnen. De picturale bijdrage betreft hier de ramen van het gebouw. Honet geeft hier een interpretatie van het mirakel van de brouwers van Sint Waltrudis in zijn eigen grafische stijl. Alle elementen van het verhaal zijn aanwezig: de 4 brouwers die in een duistere gevangenis vastgeketend zijn, de wachter gekleed in het geel en het zwart naar de kleuren van het kapittel van Sint Waltrudis en uiteraard een monumentale en magistrale Sint Waltrudis die het mirakel van de bevrijding voltrekt door de ketens van de gevangenen te verbreken. Tijdens de Processie van de Car d’Or op de zondag van de rituele Ducasse, is het kruispunt van de Rue des Soeurs grises met de Rue des Capucins de uitverkoren locatie voor de lezing van één van de 5 mirakels van Sint Waltrudis: in de 16de eeuw worden vier brouwers beschuldigd van een halsmisdaad. Er wordt echter geen enkel bewijs geleverd. Ze slagen erin uit de gevangenis te ontsnappen maar in plaats van te vluchten gaan ze nog in hun ketens naar het altaar van Sint Waltrudis die tijdens haar leven zoveel moeite gedaan had om gevangenen te bevrijden. De vier brouwers smeken Sint Waltrudis dus om hen te bevrijden. Hun ketens breken en vallen op de grond neer. Op die manier heeft Sint Waltrudis hun onschuld doen erkennen.&nbsp;<br><br>Honet started doing graffiti in Paris in 1988. He found this form of expression to be something totally innovative, as the mirror of our time. He turned it into his way of life, and then plunged body and soul into this artistic odyssey that has always kept him away from a conventional occupation. Honet likes to explore the city, particularly the WW II bunkers and catacombs of Paris. He searches for hidden places full of stories, where people cannot go. For Honet, graffiti and exploration share a taste for adventure and the discovery of one’s own city. This graphic universe is composed in particular of headlamps, stairs, trapdoors and keys as if he were searching for invisible, subterranean worlds. "I go where my anxieties attract me," he says. I like to explore dark, chaotic, destroyed and violent places. Painting is a way to tame and appropriate them.” A fervent traveller, Honet travels the world to have fun, to discover, to paint and also to exhibit his recent work. He has been leaving his mark in Europe but also in Moscow, Beijing or Tokyo for more than 25 years. In addition, he regularly collaborates with brands such as Prada, Lacoste, Ruby or Louis Vuitton that attach importance to the symbolism of his drawings and their pure lines. The pictorial intervention concerns all the windows of the building. Honet has here interpreted the miracle of the Brewers of Saint Waudru in his distinctive graphic style. All the ingredients of the story are present: the four brewers chained in a dark prison, the guard dressed in yellow and black in the colours of Saint Waudru's chapterhouse and of course, ever monumental and masterful, Saint Waudru herself, performing the miracle of freeing the prisoners by breaking their chains. During the Golden Coach Procession on the Sunday of the Ducasse ritual, the place where the Rue des Soeurs grises crosses the Rue des Capucins is chosen for the reading of one of the 5 Miracles of Saint Waudru: In the sixteenth century, four brewers accused of a capital crime without any formal proof, managed to escape from their prison and, but instead of running away, they took their chains along and went to the altar of Saint Waudru who, during her lifetime, had devoted so much of her efforts and property to free prisoners. So the four brewers begged St. Waudru, imploring her to free them. The chains were broken and fell to the ground. Saint Waudru had thus shown that they were innocent.&nbsp;</div>

Le miracle de sainte Waudru

Pierre Liebaert

<div>Pierre Liebaert est un photographe belge actuellement basé à Bruxelles. Il est diplômé de l’École Supérieure des Arts de l’image « Le 75 » à Bruxelles. Il est régulièrement exposé lors de festivals ou au sein d'institutions muséales. Une de ses séries intitulée « Macquenoise » fût remarquée par le site américain Photo-eye comme l'un des 26 meilleurs ouvrages de l'année 2013. En 2015, à Mons, il participe à la mission photographique IN/OUT et photographie Patti Smith lors de sa visite de l'exposition Verlaine Cellule 252 au BAM. Très souvent immersif, ses projets sont souvent à long terme et le dévorent. Pour « Je crois aux Nuits », il explore des territoires où subsistent encore de fragiles traditions. Son intérêt se pose là où la tragédie se pare de lumière. Le chant fantasmé des castrats, l'œuvre incarnée du Caravage, l'intransigeance des Primitifs flamands, l'universalité des figures carnavalesques, le parfum humide du bois vermoulu, la solennité des processions et la vulnérabilité de nos organes sont autant de fragments qu'il ne cesse de vouloir rassembler.&nbsp;<br><br>Lieu de l’oeuvre : rue de Nimy-Cour du 106<br><br>De jonge Bergense fotograaf Pierre Liebaert heeft een aparte manier om het momentum vast te leggen en ons hier terug naartoe te brengen. Liebaert is een jonge Bergense fotograaf die afstudeerde aan de Brusselse Hogeschool voor Fotografie “Le 75”. Zijn werken zijn regelmatig te bewonderen op festivals en in musea. De Amerikaanse website Photo-eye merkte zijn reeks “Macquenoise” op en riep de reeks uit tot een van de 26 beste werken van 2013. In 2015 neemt hij deel aan de fotomissie IN/ OUT en fotografeert hij Patti Smith tijdens haar bezoek aan de tentoonstelling Verlaine Cellule 252 in het BAM. De kunstenaar brengt meeslepende werken met een groot bereik in de tijd. Hij probeert elk project terug te leiden tot de essentie.<br>&nbsp;<br>Voor zijn nieuwe projecten keert hij naar de magmatische oorsprong van Napels, te midden van de duisternis van de kloosters en tussen de carnavaleske figuren in de bergholtes. Hij wordt aangetrokken door plaatsen waar de tragedie zich onttrekt aan het licht. Het gefantaseerde gezang van de castraten, het geïncarneerde werk van Caravaggio, de starheid van de Vlaamse Primitieven, de universaliteit van de carnavalsfiguren, de vochtgeur van aangetast hout, de plechtigheid van de processies en de kwetsbaarheid van onze organen; allerlei fragmenten die hij constant wil bundelen.&nbsp;<br><br>Pierre Liebaert, a young photographer from Mons, has an exceptional way of capturing an instant and delivering it back to us. A young photographer from Mons, he graduated from the ‘Ecole Supérieure des Arts de l'image’ “Le 75” in Brussels, and he regularly exhibits during festivals or within the museum network. One of his series, entitled “Macquenoise” was noticed by the American website Photo-eye as one of the 26 best works of the year 2013. In 2015, in Mons, he participated in the photographic mission IN/ OUT and took photos of Patti Smith during her visit to the Verlaine Cellule 252 exhibition, at the BAM. His projects are immersive and run in the long term. He tries to discover the depths of each project and to lay it bare.<br>&nbsp;<br>His new projects take him to the magmatic entrails of Naples, in the heart of the obscurity of monasteries and among the carnival-like creatures nestled in the mountains. His interest is piqued where tragedy is bathed in light. The fantasy song of castratos, the embodiment of the works of Caravage, the intransigence of the Flemish Primitives, the universality of Carnival figures, the humid perfume of worm-ridden wood, the solemnity of processions and the vulnerability of our organs are all fragments that he constantly wishes to put together.&nbsp;</div>

Je crois aux nuits

Calvin Dussart et Charles Myncke

<div>Calvin Dussart et Charles Myncke, sont deux étudiants de l’Ecole des Arts² de Mons. Leur projet est né dans l'atelier de Dessin de l'école Arts², lors des cours de Djos Janssens, qui les a accompagnés et guidés tout au long de la réalisation de True Story. Ils se sont interrogés sur les nombreuses fenêtres murées que la ville comportaient et de la signification que celle-ci détiendraient. Leur curiosité a laissé libre cours à leur imagination. Ils ont ainsi imaginé ce qui se tramait derrières ces fenêtres murées et ont multiplié les clins d’œil en y affichant des reproductions de comics et d’affiches de films hollywoodiens des fifties.&nbsp;<br><br>Calvin Dussart en Charles Myncke zijn studenten van de Ecole des Arts² [School voor Schone Kunsten] van Mons. Het project werd geboren in het tekenatelier van de Ecole des Arts tijdens de lessen van Djos Janssens, die hen leidde en begeleidde in het lange proces om True Story te realiseren. De studenten hebben zich bevraagd over de talrijke dichtgemetselde vensters in de stad en de betekenis ervan. Gedreven door hun nieuwsgierigheid lieten ze hun verbeelding de vrije loop. Ze hebben zich een voorstelling gemaakt van wat zich achter deze dichtgemetselde ramen afspeelt – een voorstelling met een knipoog door het incorporeren van reproducties van strips en filmaffiches uit het Hollywood van de jaren 50.&nbsp;<br><br>Calvin Dussart and Charles Myncke are both students of the Mons Ecole des Arts² [School of Art]. Their project was born in the drawing workshop of said school in the class of Djos Janssens, who advised and guided them throughout the creation of True Story. They wondered about the many walled windows the city had and what that meant. Their curiosity gave their imagination free rein. They tried to imagine what was going on behind these walled windows&nbsp; with a wink and a nod through reproductions of Hollywood comic books and movie posters from the fifties.<br>&nbsp; &nbsp;</div>

True Story

Duek

<div>La fresque de DUEK représente le Mexique au sein de sa grande culture qui est dominée par la nature et le mysticisme de son environnement. Les femmes sont très importantes dans la culture mexicaine et sont représentées avec des fleurs, pour leur délicatesse et beauté. Le Quetzal (Ave) est une espèce endémique du Mexique qui est très respectée, puisqu’elle est liée au dieu Quetzalcoatl, le créateur de l’humain dans les histoires de la culture aztèque. Cette fresque représente la nature ainsi que la vie.&nbsp;<br><br>In samenwerking met Lille 3000 en in het kader van hun “Eldorado”-seizoen (van 27/04 t/m 01/12/2019) zullen Cix en Duek, twee Mexicaanse kunstenaars, voor een kleurrijk fresco zorgen in de Bergense Quartier des Capucins.<br><br>Project: In collaboration with Lille 3000 and for their Eldorado season (from 27/04 to 01/12/2019), the Mexican artists Cix and Duek created a coloured fresco in the Capucins area of Mons.&nbsp;</div>

Eldorado

Olivier Sonck

<div>Olivier Sonck est un artiste belge lié à Mons par ses études aux Arts2. Il travaille depuis sa formation dans l'artisanat de l'image par le biais de la gravure et de la sérigraphie et donne cours comme professeur dans diverses écoles. Sa passion depuis quelques années ? Les mots. « Je m'intéresse à leur sens, à la manière dont on les prononce mal et au résultat que cela donne après un passage dans des oreilles distraites. J'en fais des objets, souvent imprimés, marqués sur des matières froides comme le métal, inertes comme le plomb, brillantes comme le cuivre mais aussi plus chaudes et (parfois) réconfortantes comme le bois. »<br><br>Pour ce projet, il réalise une série d'ateliers autour des souvenirs d'enfance en deux temps : d'abord avec vingt détenus (dix hommes et dix femmes) et ensuite avec les voisins du centre pénitentiaire (résidents, étudiants,travailleurs etc).&nbsp;<br>Le résultat? Une fresque littéraire pleine d'authenticité, de poésie, peinte sur le mur extérieur du centre pénitentiaire à la peinture. Elle évoluera au gré du temps et des conditions météorologiques.&nbsp;<br><br>Lieu de l'oeuvre: Murs de la prison<br><br>Project: Olivier Sonck ontwikkelt in twee delen een reeks workshops rond jeugdherinneringen: enerzijds samen met twintig gevangenen (tien mannen en tien vrouwen) en anderzijds samen met de omwonenden van het penitentiaire centrum (bewoners, studenten, arbeiders, enz.). Het resultaat?&nbsp; Een literair fresco vol authenticiteit en poëzie, geschilderd op de daartoe geschikte buitenmuur van het penitentiair centrum. Een schilderwerk dat onderhevig zal zijn aan de grillen van de tijd en van de weeromstandigheden. Olivier Sonck is een Belgisch kunstenaar. Hij leerde Bergen kennen via zijn studies in Arts2. Sinds zijn opleiding is hij actief in beeldbewerking op basis van gravering en zeefdrukken. Ook onderwijst hij aan verschillende scholen. Zijn grote passie van de afgelopen jaren? Woorden. “Hun betekenis boeit me, maar ook de manier waarop ze verkeerd worden uitgesproken en waartoe dit leidt wanneer afgeleide oren ze opvangen. Ik tover ze om tot objecten, die ik meestal afdruk op koele materialen als metaal, inerte materialen als lood, briljante materialen als koper maar ook op warmere en (soms) geruststellende materialen als hout.”&nbsp;<br><br>Project: Olivier Sonck has created a series of workshops about childhood memories, in two phases: first with twenty detainees (ten men and ten women) and then with the neighbours of the penitentiary centre (residents, students, workers, etc). The result?<br>A literary fresco full of authenticity and poetry, painted on the exterior wall of the penitentiary centre. It will evolve over time and according to the weather conditions.<br>Olivier Sonck is a Belgian artist linked to Mons by his studies at Arts2. Since finishing his studies in Visual Arts, he has been working in engraving and silk-screen printing as well as teaching in several schools. What has been his passion for the last few years? Words.<br>“I’m interested in their meaning, in the way people pronounce them wrongly and in the final result after passing through distracted ears. I make objects of them, often printed, marked on cold materials such as metal, inert like lead, shiny like copper but also warmer ones and (sometimes) comforting like wood.”&nbsp;</div>

Ivre d'Histoires

MOMO

<div>Auteur du tag le plus long du monde qui zigzaguait dans tout Manhattan à l'insu des New-Yorkais, MOMO le grapheur crée de nouvelles cartographies urbaines à base d'interventions infinitésimales ou de fresques monumentales. Il réalise ici à Mons, une fresque en aplats de couleur zébrés.&nbsp;<br><br>MOMO is een graffitikunstenaar en de auteur van de langste tag ter wereld die door heel Manhattan zigzagde. Hij is afkomstig uit New York en creëert nieuwe stadsplannen op basis van oneindige kleine creaties of monumentale muurschilderingen. Hier in Mons heeft hij een muurschildering met gestreepte kleurvlakken gemaakt.&nbsp;<br><br>Author of the world’s longest tag that wound its way all over Manhattan unbeknownst to New Yorkers, MOMO grapher creates new urban maps based on infinitesimal interventions or monumental frescoes. Here in Mons, he has created a fresco in zebra-coloured flat hues.&nbsp;</div>

Fresque de Momo

Blanc Murmure

<div>L’Escale de Mons est le reflet, un point de vue de ce que peut être la représentation de notre patrimoine montois. Déambuler dans une histoire chimérique où apparaissent des personnages illustres, l’architecture, le folklore, la faune et la flore dans des assemblages décalés. Pour accompagner la composition, Olivier Sonck, artiste plasticien propose une phrase faite de double-sens. Cette œuvre participative a été réalisée dans le cadre du projet « Vhello, le Réseau Points-Noeuds en Coeur du Hainaut » avec la participation de citoyens.&nbsp;<br><br>De Escale van Mons is een weerspiegeling, een gezichtspunt van wat de weergave van ons erfgoed in Mons kan zijn. Rondzwerven in een mythische geschiedenis waar beroemde personages, architectuur, folklore, fauna en flora verschijnen in verspreide composities. Oliver Sonck, beeldend kunstenaar, voorziet een dubbelzinnige zin bij de compositie. Dit participatieve werk werd uitgevoerd in het kader van het project « Vhello, le Réseau Points-Noeuds en Coeur du Hainaut » [Vhello, het Netwerk van Knooppunten in het Hart van Henegouwen] met deelname van de burgers.&nbsp;<br><br>L'Escale de Mons is a reflection, a point of view of what the representation of our Mons heritage can be. Stroll through a chimerical story where illustrious characters, architecture, folklore, flora and fauna appear in quirky assemblages. To accompany the composition, Olivier Sonck, visual artist, provides a sentence made of double entendres. This participatory work was produced as part of the project "Vhello, le Réseau Points-Noeuds en Coeur du Hainaut" [VHELLO, the Node Point Network in the Heart of Hainaut] with the participation of citizens.&nbsp;</div>

L'Escale

Oli B

<div>Oli-B est un artiste bruxellois, connu pour ses œuvres colorées et pleines de vie. À partir de formes abstraites et figuratives chargées de couleurs vives, Oli-B trace les frontières de son univers singulier, où l'onirisme s'entremêle d'harmonie et d'espoir. Chaque pièce écrit son histoire et dévoile de nouvelles facettes. Ses œuvres sont animées par un désir d'équilibre. Lorsqu'il franchit cette frontière, il déploie sa vision idéale et optimiste du monde, en opposition à l'image réelle entachée d'amertume qu'il en a parfois. Oli-B aime le tumulte des grandes villes et de leurs foules et utilise les espaces publics comme terrain de jeu.&nbsp;<br><br>Oli-B is een Brussels kunstenaar, die bekendstaat voor zijn levendige werken met rijke kleuren. Vanuit abstracte en figuratieve vormen met levendige kleuren trekt Oli-B de grenzen van zijn eigen leefwereld, waar dromen, harmonie en hoop in elkaar vloeien. Elk deeltje beschrijft zijn geschiedenis en onthult nieuwe inzichten. Zijn werken worden gekenmerkt<br>door een streven naar evenwicht. Zodra hij deze lijn overschrijdt, komt zijn ideale en optimistische wereldbeeld tevoorschijn,<br>als tegengestelde van zijn bij momenten aangetaste en bittere wereldbeeld. Oli-B heeft een grote voorliefde voor de drukte en mensenmassa's in grote steden. Openbare plekken dienen voor hem als speelterrein.&nbsp;<br><br>Oli-B is an artist from Brussels, known for his colourful works that are full of life. Starting from abstract and figurative forms in vibrant colours, Oli-B traces the limits of his exceptional universe, where onirism mixes with harmony and hope. Each piece writes his story and reveals new aspects. His works are driven by a desire for balance. When he crosses this line, he deploys his ideal and optimistic vision of the world, in opposition to the realistic image tinged with bitterness, that he sometimes feels. Oli-B enjoys the hustle and bustle of large towns and their crowds and uses the public spaces as his playground.&nbsp;</div>

L'Escapade 

David Mesguich

<div>Le premier lieu de création de David Mesguish est le numérique, il y dessine les prémices de ses sculptures qui prennent vie de par la rencontre entre technique d’imagerie en 3D et modelage traditionnel. L’artiste est fasciné par l’esthétique polygonale, le glitch art, les jeux vidéo des années 80/90 ainsi que par la dramaturgie de l’art baroque. Ses sculptures questionnent le passé, l’avenir, la condition humaine, la place de l’homme dans l’environnement urbain.<br>Il nous livre ici, une œuvre monumentale, représentant l’innocence et la pureté de l’enfance, à l’image de sa fille Lucie. La construction urbaine a été réalisée grâce à la collaboration et la participation de l'école de Promotion Sociale Jemappes-Quiévrain, Façozinc et WAX Architecture.&nbsp;<br><br>Monumentaal beeldhouwwerk van een klein meisje op haar knieën met vlinders die rond haar cirkelen. Ze houdt een schaar vast die ze kapot maakt. David Mesguich is een internationaal vermaarde Franse kunstenaar. Met dit werkt levert hij een monumentaal poëtisch werk af rond het gezegde “vlinders in de buik hebben.”&nbsp; Het meisje met de vlinders: “Op een dag vertelde iemand me dat we vlinders in de buik krijgen wanneer we verliefd zijn. Dat beeld is me altijd op een aangename manier bijgebleven, ook al ervaarde ik zelf de dingen niet op die manier. Later kruiste ik het pad van een schilder die twee personages tekende. Elk personage hield met de ene hand eenzelfde hart vast en in de andere hand hielden ze elk een schaar vast. Het beeld wees op een duidelijk ultimatum, met als vraag wie als eerste het hart zou doorknippen.&nbsp;<br><br>Monumental sculpture representing a little girl kneeling, with butterflies fluttering around her. She is holding a pair of scissors in her hands and she is breaking it. David Mesguich, an internationally renowned French artist delivers a monumental work of art full of poetry, based on the saying “to have butterflies in the stomach.”&nbsp; “La petite fille aux papillons” (The little girl with butterflies): “One day someone told me that when you fall in love you get butterflies in your stomach, I have always found this an amusing image whereas I myself didn’t feel things this way, nevertheless I have always kept this image in a corner of my mind. Later on, I came across a painting that illustrated two people each holding the same heart in one hand and in the other hand a pair of scissors, as if to give an ultimatum: who will be the first to cut the heart? In the end I believe that I didn’t like this painting and even less the inevitable aspect that was implied, and yet it fascinated me for a long time and I also photographed it in a corner of my mind.&nbsp;</div>

Lucie et les Papillons

Filip Gilissen

<div>Après avoir réalisé le tunnel de fils d’or dans la Collégiale Sainte-Waudru pour la Fête d’Ouverture de Mons 2015, Filip Gilissen nous surprenait une fois encore par cette installation : des ailes d’ange (dorées bien sûr), placées au Square Saint-Germain : une véritable invitation à prendre un selfie ayant pour décor la Collégiale, pour un look angélique garanti sur les réseaux sociaux.&nbsp;<br><br>Na de doorgang in gouddraad in de Collegiale Sint Waltrudiskerk voor het Openingsfeest van Mons 2015, verrast Filip Gilissen ons opnieuw met deze installatie: vleugels van een engel (verguld, uiteraard) geplaatst op het Square Saint-Germain: een echte uitnodiging om een selfie te nemen met de Collegiale kerk als decor, .... engelachtige look gegarandeerd op de sociale netwerken.&nbsp;<br><br>After having created the golden thread tunnel in the Collegiate Church Sainte-Waudru for the Opening Festival of Mons 2015, Filip Gilissen surprised us once again with this installation: angel wings (golden of course), placed in the Square Saint-Germain: a real invitation for a selfie with the collegiate church as a backdrop, for a guaranteed angelic look on the social media.&nbsp;</div>

Spread your Wings

Louise Delattre

<div>Originaire de Colfontaine, Louise Delattre est étudiante en 2ème dessin d’Arts² à Mons, elle a ici imaginé une fresque murale de 450 m² en vinyle auto-adhésif. Le projet consistait en une collaboration entre la fondation Mons 2025 et La Ruche d'Arts² afin de réaliser avec les étudiants de première bachelier des propositions pour le projet « L’Art habite la Ville ». Les étudiants ont dû prendre plusieurs photos d'infrastructures dans Mons pour ensuite faire des propositions visuelles sur ordinateur. Louise a choisi l'hôpital Ambroise Paré pour la grande visibilité qu'il offre depuis le ring. « Le choix des plantes médicinales fait à la fois allusion à la nature et à la médecine notamment à l'époque d'Ambroise Paré où on les utilisait essentiellement. » Plusieurs projets ont été retenus, dont le sien, qui a été réalisé en vinyle et mis en place par l'entreprise "Application Team" durant l'été 2019."&nbsp;<br><br>Louise Delattre Afkomstig uit: België Plaats van het werk: gevel Ambroise Paré. Louise Delattre is afkomstig uit Colfontaine en is studente in het tweede jaar Tekenen op de kunstacademie Arts² in Mons. Zij heeft hier een muurschildering van 450 m² in zelfklevende vinyl gecreëerd. Het project is een samenwerking tussen de Stichting Mons 2025 en La Ruche d'Arts² met als doel met de studenten van het eerste jaar van de Bachelor voorstellen voor het project “Kunst in de Stad” te ontwikkelen. De studenten moesten foto's maken van infrastructuur in Mons en dan visuele voorstellen uitwerken op de computer. Louise heeft gekozen voor het ziekenhuis Ambroise Paré. Door de locatie ervan aan de ring is het een gebouw dat in het oog springt. “De keuze voor medicinale planten verwijst enerzijds naar de natuur en anderzijds naar de geneeskunde ten tijde van Ambroise Paré toen daar veel gebruik van gemaakt werd.” Verschillende projecten werden weerhouden. Een daarvan is dat van Louise Delattre dat ter plaatse in vinyl uitgevoerd werd door het bedrijf “Application Team” tijdens de zomer van 2019.&nbsp;<br><br>Artist: Louise Delattre Origin: Belgium Location of the artwork: Ambroise Paré Hospital façade. Originally from Colfontaine, Louise Delattre, a 2nd year student of drawing in the Mons Ecole des Arts² [School of Art], has here devised a 450 m² mural fresco in self-adhesive vinyl. The project consisted of a collaboration between the Mons 2025 Foundation and La Ruche d'Arts [Arts Hive] to produce proposals for the project “L’Art habite la Ville” [Art lives in the City] with first year students in the bachelor’s degree programme. The students had to take several photos of infrastructures in Mons and then make visual proposals using a computer. Louise chose the Ambroise Paré Hospital for the great visibility it affords from the ring road. "The choice of medicinal plants alludes to both nature and medicine, especially in Ambroise Paré's time, when they were essentially used. " Several projects have been selected, including her own, which was made of vinyl and set up by the company "Application Team" in the summer of 2019."&nbsp;</div>

Plantes médicinales

Levalet

<div>Charles Leval, dit Levalet, est né en 1988 à Epinal. Il grandit en Guadeloupe, où il découvre la culture urbaine et s’initie aux arts plastiques. Il poursuit ses études d’Arts visuels à Strasbourg ; son travail, alors davantage tourné vers la vidéo, se nourrit d’une pratique théâtrale assidue dont ses oeuvres urbaines conservent le langage à la fois visuel et narratif. Il obtient l’agrégation en 2012, année où son travail commence à prendre<br>place dans les rues de Paris et d’ailleurs. Dès 2013, il expose en galerie et participe à des manifestations urbaines internationales. L’oeuvre de Levalet est avant tout un travail de dessin et d’installation. Il met en scène ses personnages dessinés à l’encre de Chine dans l’espace public à travers un jeu de dialogue visuel et sémantique avec l’environnement présent. Les personnages interagissent avec l’architecture et se<br>déploient dans des situations frôlant souvent l’absurde.<br><br>Le travail est hypnotisant par la maîtrise technique dont l’artiste fait preuve. Ces études préalables sont réalisées à l’encre de Chine, une pratique qui ne souffre d’aucune imprécision. Le trait noir, sans nuance, se libère dans les attitudes et les mouvements des personnages qui envahissent littéralement les fenêtres de la façade. Entre réalisme et surréalisme, l’artiste met en scène des anachronismes déroutants. Il s’agit plus d’une installation que d’une fresque à proprement parlé par la manière dont l’artiste tire parti des différents plans de la façade en<br>vue de camper le décor de sa narration. Chaque saynète fonctionne comme un véritable feuilletage de l’espace avec au moins trois niveaux de lecture, chaque niveau étant en totale déconnexion avec le suivant. Les trois scènes reproduisent le même scénario<br>pictural : un arrière-plan d’une nature sauvage d’où se détache en grisaille une silhouette à l’allure mi-statuaire, mi-moderne qui se réplique elle-même en trompe-l’oeil sur un avant-plan.<br><br>Là, nous pensons voir tout d’abord des gestes naturels de figures presque vivantes installées juste sur le rebord de la fenêtre, pour ensuite comprendre en seconde lecture que les attitudes sont inspirées d’hommes préhistoriques habillés en costume moderne. L’ensemble des trois fenêtres offre au regard du spectateur une saynète burlesque de l’histoire de notre société occidentale : «Cette installation, explique l’artiste,<br>évoque de manière allégorique et humoristique à la fois à quel point l’homme moderne est devenu inadaptable à un potentiel retour à l’état de nature, mais aussi le fait que si le monde civilisé a énormément fait évoluer notre environnement, la nature profonde de l’Homo sapiens reste la même qu’à l’époque de la préhistoire». Sans le savoir, l’artiste réalise ici une espèce de parodie de notre temps à l’endroit même où est<br>née cette histoire du retrait progressif de l’homme face à la nature. En effet, la reconnaissance UNESCO du site néolithique à Spiennes, commune du Grand Mons, repose sur la sédentarisation, l’extraction et l’exploitation des minières et enfin sur la spécialisation dans la confection jusqu’à la co<br><br><br>Charles Leval, Levalet genoemd, werd geboren in Epinal in 1988. Hij groeide op in Guadeloupe, waar hij de stadscultuur ontdekte en kennis maakte met de beeldende kunsten. Hij zette zijn studies Visuele Kunsten verder in Strasburg. Zijn werk is op dat moment meer gericht op videokunst. Het wordt geïnspireerd door onophoudelijke theatrale praktijken waarvan zijn werken in de stad de visuele en narratieve taal overnemen. Hij behaalde zijn diploma in 2012, het jaar waarin zijn werk zijn plaats begint in te nemen in de straten van Parijs en elders. Vanaf 2013 stelt hij zijn werk tentoon en neemt hij deel aan internationale stedelijke evenementen. Zijn werk bestaat vooral uit tekeningen en installaties. Hij toont personages getekend met Chinese inkt in de openbare ruimte via het spel van de visuele en semantische dialoog met de omgeving waarin ze zich bevinden. De personages gaan de interactie met de architectuur aan en bevinden zich vaak in bijna absurde situaties. De technische bekwaamheid van de kunstenaar geeft het werk een hypnotiserend effect. Deze voorafgaande studies werden gemaakt in Chinese inkt, een praktijk die een bijzondere precisie vergt. De zwarte lijn, zonder nuance, vindt haar vrije uitdrukking in de houdingen en bewegingen van de personages die letterlijk binnendringen in de ramen van de gevel. Tussen realisme en surrealisme toont de kunstenaar verwarrende anachronismen. Het is meer een installatie dan een muurschildering in de strikte zin door de manier waarop de kunstenaar gebruik maakt van de verschillende niveaus van de gevel als decor voor zijn verhaal. Elke schets fungeert als een diepgaande analyse van de ruimte met minstens drie interpretatieniveaus, waarbij elke niveau volledig los staat van het vorige. De drie scènes tonen hetzelfde picturale scenario: een achtergrond met een wilde natuur waar een silhouet in grijstonen naar voor treedt dat deels een beeldhouwwerk lijkt, deels modern is en dat nog eens herhaald wordt in de vorm van een trompe-l’oeil op de voorgrond. We menen de natuurlijke gebaren van de bijna levende figuren te zien die zich net op de rand van het raam bevinden. In een tweede lezing komen we echter tot het inzicht dat de houdingen geïnspireerd zijn door prehistorische mensen maar dan met moderne kledij. De drie vensters samen geven de toeschouwer een burleske schets van de geschiedenis van onze westerse maatschappij: “Deze installatie roept op een soms allegorische soms humoristische manier op in welke mate de moderne mens zich niet meer kan aanpassen aan een potentiële terugkeer naar een natuurlijke staat,” legt de kunstenaar uit. “Maar er is eveneens het feit dat hoewel de beschaafde wereld onze omgeving enorm veranderd heeft, de Homo Sapiens diep vanbinnen hetzelfde gebleven is als tijdens de prehistorie.” Zonder het te weten creëert de kunstenaar een soort van parodie van onze tijd net op de plaats waar de geschiedenis van de progressieve verwijdering van de mens ten opzichte van de natuur begonnen is. De erkenning van de neolithische site in Spiennes, een gemeente in de agglomeratie Mons, door UNESCO is gebaseerd op sedentarisatie, extractie en ontginning van de mijnen en uiteindelijk op de specialisatie in de vervaardiging tot aan de ruilhandel van stenen gereedschap. Is dat niet de grondslag van onze hedendaagse maatschappij in volle crisis, en het thema van de muurschildering van Levalet?&nbsp;<br><br>Charles Leval, known as Levalet, was born in 1988 in Epinal. He grew up in Guadeloupe, where he discovered urban culture and was introduced to the plastic arts. He continued his studies in visual arts in Strasbourg. Oriented towards video at the time, his work was nourished by an assiduous theatrical practice, the visual and narrative language of which is preserved in his urban works. He earned his degree in 2012, the year in which his work began to assert its place in the streets of Paris and elsewhere. In 2013, he embarked on exhibiting in galleries and on taking part in international urban events. Levalet's work is geared primarily to drawing and installation. He stages his characters drawn in Indian ink in the public space through a playful visual and semantic dialogue with the present environment. The characters interact with the architecture and unfold in situations often bordering on the absurd. The work is mesmerizing because of the technical mastery shown by the artist. These preliminary studies are carried out with Indian ink – a technique that does&nbsp; not allow for any imprecision. The outright black line is freed in the attitudes and movements of the characters that literally invade the windows of the façade. Between realism and surrealism, the artist stages confusing anachronisms. The work is more of an installation than a mural, as the artist capitalizes on the different planes of the façade to set the scene for his narrative. Each sketch functions as a real lamination of the space with at least three levels of reading, whereby each level is totally disconnected from the next. The three scenes reproduce the same pictorial scenario: a background of wild nature from which a grey silhouette emerges with a half-statuary, half-modern look that replicates itself on the foreground in trompe-l'oeil. Our first impression here is of&nbsp; natural gestures of almost living figures installed just on the window sill, only to grasp upon closer scrutiny that the attitudes are inspired by prehistoric men dressed in modern costume. The three windows together offer the viewer a burlesque sketch of the history of our western society: "This installation," explains the artist, "allegorically and humorously evokes not only the extent to which modern man has become unsuitable for a potential return to the state of nature, but also the fact that while the civilized world has greatly changed our environment, the deep nature of Homo sapiens remains the same as in prehistoric times". The artist is unawares making a kind of parody of our time in the very place where this story of man's gradual withdrawal from nature emerged. UNESCO recognition of the Neolithic site at Spiennes, a municipality in greater Mons, is actually based on the sedentarisation, extraction and exploitation of mining and finally on the specialization in the making and exchange of flint tools. Isn't Lavalet’s fresco the very foundation of our present society in the midst of a crisis?&nbsp;</div>

L'Homme des cavernes

<div>Noir Artist (Lucien Gilson) est un jeune artiste plasticien et peintre muraliste formé à Saint-Luc Liège. Il réalise des toiles, peintures, dessins, fresques monumentales, art mural, trompe l’oeil, décoration et design urbain, ce travail « au noir » laisse peu de regards indifférents.<br>Inspiré par la pub, le pop art, l’art baroque ou encore la calligraphie, NOIR Artist décline avec grâce ses obsessions picturales hyperréalistes et ses envolées plus abstraites. Par sa fresque « Don’t sleep on your dream », Noir Artist a apporté sa touche de figuration surréaliste au projet.&nbsp;<br><br>Project: NOIR Artist verrijkt het project met zijn surrealistische figuren<br><br>NOIR Artist is een Belgisch plastisch kunstenaar en muurschilder uit Luik, waar hij in het Saint-Luc zijn opleiding genoot. Hij schildert doeken en ook muurfresco's op quasi elk formaat en elke ondergrond. Maar wel steeds met zwarttinten (vanwaar zijn artiestennaam). Of toch bijna steeds: af en toe kruipt er ook wat kleur of goud in zijn leefwereld. Schilderwerken, tekeningen, grote fresco's, muurkunst, gezichtsbedrog, decoratie en stadskunst; zijn “zwarte” werken laten weinigen onberoerd. NOIR Artist<br>laat zich inspireren door reclames, pop art, barokkunst en kalligrafie. Zo slaagt hij er op stijlvolle manier in om zijn hyperrealistische schilderobsessies en zijn meest abstracte herinneringen af te zweren.&nbsp;<br><br>Project: NOIR Artist will bring a touch of surrealism to the project<br><br>NOIR Artist is a Belgian plastic artist and mural painter from Liège, trained at Saint-Luc Liège. He creates paintings as well as mural frescoes in almost all formats and all types of support. But always in shades of black (‘NOIR’). Or almost, since colour and gold now also have their place in his universe. Paintings, drawings, monumental frescoes, mural art, trompe l'oeil, urban decoration and design, this work “in black” does not leave people indifferent. Inspired by publicity, pop art, baroque art or calligraphy, NOIR Artist gracefully enumerates his hyper-realistic pictorial obsessions and his more abstract musings.&nbsp;</div>

Don't sleep on your dream

Oli-B

<div>This Belgium-based data center facility serves Google users spanning Western Europe, as well as other locations around the world. Local street artist Oli-B has painted its walls with an abstract interpretation of ‘the cloud,’ consisting of elements specific to the community, data center site and its employees.</div>

Artworks in Mons